Nombre artístico de Eddy Morla cantante y compositor nacido en republica
dominicana en el pueblo de higuey en la región este de la isla. Desde
pequeño tenia aficiones por cantar pero no fue hasta mediados de los
años ochenta donde se remonta su trayectoria musical y decide formar
parte de un trío de músicos llamados «Los Tropicales» en el cual da los
primeros pasos en la música.
Luego se traslada a la gran manzana donde perteneció a varias
agrupaciones musicales adquiriendo experiencia en el oficio y raíz de
durar varios años en mencionadas agrupaciones decide formar su propio
proyecto en la ciudad de Nueva York el cual tuvo como nombre «Ritmo
Latente» una orquesta de merengue que contaba con catorce miembros,
donde grabo su primera producción de larga duración titulada «Esa mujer
te tiene loco» destacándose esporádicamente en la radio los cortes «La
Crisis» y «Guaya en coco Ramonita».
Desde nueva york Neidy se traslada a la ciudad de Saint Thomas donde
decide radicarse, además adoptar el género de la bachata y grabar su
segunda producción en este ritmo. Este trabajo titulado «Te llevo en mi
corazón», consta de doce temas sobresaliendo los cortes «Bájame el
pantalón», «Te llevo en mi corazón», «Soy Feliz» entre otros,
colocándose en los primeros lugares de todas las Islas Vírgenes y
realizando presentaciones en todos los clubes de la región como el
famoso «Bombache», recibiendo así el apoyo y cariño masivo de la
comunidad dominicana y de los presentes en sus actuaciones.
Alrededor del año 2004 graba dos nuevos temas musicales tales como
“Cristo es mi Amor” haciendo connotar su fe cristiana y “Me Robaste el
corazón” el cual le da nombre a su siguiente producción. Esta es una
compilación de temas de su anterior trabajo donde vuelve a incursionar
en el contagioso ritmo de la bachata. En este trabajo salen a relucir
los cortes «Tú eres mi amor», «La pagaras» y el tema que le da título a
la producción «Me Robaste el Corazón».
En el 2007 Neidy Molaco graba una nueva producción en el género de la
bachata denominada «Quiero Calle» un álbum discográfico que cuenta con
doce temas musicales y a la vez lanza su primer DVD el cual contiene
temas tales como «El Come mulo», «Esa Mujer», “Ojos que no ven” y
“Quiero Calle”.
En año 2009 lanza su siguiente trabajo musical bajo el nombre de “El
Mensajero del Amor” un álbum discográfico estructurado con diez temas
donde se realiza una recopilación de sencillos de sus anteriores
trabajos y cinco nuevos temas siendo el primer bachatero que lanza un
disco compacto y un DVD paralelos, conteniendo los vídeos de cada uno de
los cortes del disco.
Luego dos años más tarde surge «Subiendo como la espuma» un álbum
discográfico estructurado con once temas musicales inéditos con una
amplia fusión de ritmos tropicales, ritmos caribeños, merengue, bachata,
balada, mambo y varios elementos para brindarle al público una buena
calidad musical…Esta producción contiene una composición de sietes
bachatas, dos baladas y un mambo mezclado con atabales y un merengue
típico fusionado con guitarras…
El más reciente trabajo de este talentoso artista se denomina “Me sangra
mi corazón” donde ya se dejan escuchar los cortes “Esa me la voy a dar”
, «Que viva el amor» y el tema que le da título a la producción…
Neidy Molaco no solo se ha destacado como artista también es un prospero
comerciante y un maravilloso ser humano poniendo en alto la labor de
los dominicanos en playas extranjeras.
Discografía:
Orquesta Ritmo Latente:
Esa mujer te tiene loco (1989)
1. Esa mujer te tiene loco
2. Pensando en ti amor
3. Antojo
4. Puedo vivir sin ti
5. La finca de Josefa
6. Guaya el coco Ramonita
7. La crisis
8. Acompáñame (Bolero)
9. Ya vuelve conmigo
Neidy Molaco
Te llevo en mi corazón (2000)
1. Soy feliz
2. Bájame el pantalón
3. Tu eres mi amor
4. Te llevo en mi corazón
5. Loco por ti
6. A escondidas
7. Te amo en silencio
8. La pagaras
9. Vieja querida
10. Te quiero con el alma
11. Ya vuelve conmigo
12. Dame tu corazón
Me robaste el corazón (2004)
1. Me robaste el corazón
2. Bájame el pantalón
3. Tu eres mi amor
4. Te llevo en mi corazón
5. Loco por ti
6. A escondidas
7. Te amo en silencio
8. La pagaras
9. Vieja quería
10. Te quiero con el alma
11. Ya vuelve Conmigo
12. Dame tu corazón
13. Cristo es mi Amor
Quiero Calle (2007)
1. Esa Mujer
2. Ojos que no ven
3. Quiero Calle
4. No se vivir sin ti no se vivir
5. El come mulo
6. El riquito
7. Dame la cosa
8. Adoro
9. Me robaste el corazón
10. Acompáñame
11. Para que no me olvides
12. El Coco
El Mensajero del Amor (2009)
1. El mensajero del amor
2. Dame una razón
3. Bachata Gaga (Dame la Botella)
4. No me mande dólar
5. Esa mujer
6. El come mulo
7. Ojos que no ven
8. Quiero Calle
9. Bájame el pantalón
10. Aunque me cueste la vida
Subiendo Como La Espuma (2012)
1. Me tienes Amarradito (Bachata)
2. Como te olvido (Bachata)
3. Qué lindo es amar (Bachata)
4. Me gusta esa loca (Mambo Gagá)
5. Esa me la doy (Bachata)
6. El corazón me palpita (Balada)
7. Qué lindo bombón (Bachata)
8. Qué lindo es amar (Balada)
9. Sin ella estoy mejor (Bachata)
10. El corazón me palpita (Bachata)
11. Navidad sin ron (Merengue)
Me Sangra mi Corazón (2013)
1. Me Sangra mi corazón
2. Esa me la voy a dar
3.Que viva el amor
lunes, 17 de marzo de 2014
Super Uba
La República Dominicana es el hogar de una extraordinaria y rica
cultura musical que aún es relativamente desconocida para los
extranjeros. La música de guitarra, el merengue, la bachata y el son de
la isla, son algo diferentes del merengue de orquesta comercial y la
salsa a la que la mayoría de los oyentes fueron expuestos. El estilo de
música de Uba tiene sus raíces en el campo dominicano; durante la década
de los 60s y 70s maduró en las calles y en los barrios de Santo Domingo
y Santiago.
Ubaldo Cabrera nació en una familia de granjeros en la ciudad rural de Guateque de la Isabela, cerca de Puerto Plata. A la edad de 19 años fue atraído por su amor hacia la música a la ciudad de Santiago, donde vivió con un tío que le enseñó a cantar y a tocar la guitarra. Santiago es el corazón del Cibao, la región norte de la República Dominicana que es la cuna del merengue. Cuando Uba habla de la ciudad tal cual era esta en la década de los 70s, él describe una cultura en la que la música prosperó. “En ese tiempo, cualquiera podía ir a un bar al aire libre, o a un club nocturno y comenzar a tocar, si era bueno, multitudes se reunían para escucharlo.” Uba se mantuvo tocando todos los diferentes estilos de música que canta en sus CDs; como bajista de varios grupos que tocaban bachata (una variante rítmica dominicana del bolero) y merengue, y como cantante en un trío que tocaba bolero tradicional y son. Finalmente llegó a Nueva York en 1995, haciendo una gira con la leyenda de la bachata Leonardo Paniagua. Se estableció en Brooklyn NY.
Uba viene de una cultura donde la herencia folklórica aún es muy valorada y le da un sabor único a la música de su país. Él tiene un distintivo estilo musical y vocal afro-caribeño. Sus merengues originales, “Tierra Lejana” y “Doña Inez”, son excelentes ejemplos de esta tradición de vida.
El canto de Uba se complementa por el virtuoso modo de tocar la guitarra de su amigo de tanto tiempo Edilio Paredes. Edilio es un talento prodigioso natural, quien por treinta años fue el maestro indiscutido del estilo que llegó a ser conocido como bachata. El modo de tocar de Edilio, tanto intrincado como sensual, combina armonías conocidos como mambos dentro del desarrollo de los solos. Sus originales e incluso firmemente tradicionales arreglos le dan a las canciones de Uba otra dimensión de riqueza.
Sin importar lo que interprete, ya sea bachata, bolero, son o merengue, Uba captura a los oyentes, llevándolos por un momento dentro de su mundo de ritmo y color. La rica calidad tonal de su voz – ya jovial, ya melancolica – es una joya rara en el monolítico mundo de la música vocal del pop de hoy
Ubaldo Cabrera nació en una familia de granjeros en la ciudad rural de Guateque de la Isabela, cerca de Puerto Plata. A la edad de 19 años fue atraído por su amor hacia la música a la ciudad de Santiago, donde vivió con un tío que le enseñó a cantar y a tocar la guitarra. Santiago es el corazón del Cibao, la región norte de la República Dominicana que es la cuna del merengue. Cuando Uba habla de la ciudad tal cual era esta en la década de los 70s, él describe una cultura en la que la música prosperó. “En ese tiempo, cualquiera podía ir a un bar al aire libre, o a un club nocturno y comenzar a tocar, si era bueno, multitudes se reunían para escucharlo.” Uba se mantuvo tocando todos los diferentes estilos de música que canta en sus CDs; como bajista de varios grupos que tocaban bachata (una variante rítmica dominicana del bolero) y merengue, y como cantante en un trío que tocaba bolero tradicional y son. Finalmente llegó a Nueva York en 1995, haciendo una gira con la leyenda de la bachata Leonardo Paniagua. Se estableció en Brooklyn NY.
Uba viene de una cultura donde la herencia folklórica aún es muy valorada y le da un sabor único a la música de su país. Él tiene un distintivo estilo musical y vocal afro-caribeño. Sus merengues originales, “Tierra Lejana” y “Doña Inez”, son excelentes ejemplos de esta tradición de vida.
El canto de Uba se complementa por el virtuoso modo de tocar la guitarra de su amigo de tanto tiempo Edilio Paredes. Edilio es un talento prodigioso natural, quien por treinta años fue el maestro indiscutido del estilo que llegó a ser conocido como bachata. El modo de tocar de Edilio, tanto intrincado como sensual, combina armonías conocidos como mambos dentro del desarrollo de los solos. Sus originales e incluso firmemente tradicionales arreglos le dan a las canciones de Uba otra dimensión de riqueza.
Sin importar lo que interprete, ya sea bachata, bolero, son o merengue, Uba captura a los oyentes, llevándolos por un momento dentro de su mundo de ritmo y color. La rica calidad tonal de su voz – ya jovial, ya melancolica – es una joya rara en el monolítico mundo de la música vocal del pop de hoy
Edilio Paredes
En los registros de la música popular en todo el mundo, es difícil
encontrar una sola figura que haya tenido tanta influencia en la forja
de un estilo como Edilio Paredes en la creación de la bachata. Grabando
la guitarra principal en “mucho más de mil” pistas en más de tres
décadas, Edilio formó un nuevo género; sus arreglos distinguieron a la
bachata del bolero del que surgió, y determinó la estructura de trabajo
dentro del cual continúan los bachateros incluso hasta hoy. Desde los
días seminales de la bachata hasta principios de los años1990, Edilio
Paredes dirigió y grabó el trabajo más importante de los artistas más
importantes de la música, y a lo largo del camino inspiró a tres
generaciones de guitarristas Dominicanos.
Desde la infancia, Edilio fue siempre un músico talentoso y prodigioso. Nació en La Galana, un pueblo pequeño cerca de San Francisco de Macoris, y fue la primera persona en su familia en cantar o tocar un instrumento (aunque su hermano y sus tres hijos desde entonces llegaron a ser músicos bien conocidos por su propia cuenta). Nada en la historia o procedencia de su familia auguraba la aparición de un genio musical. Sin embargo, Edilio cuenta que a la edad de cuatros años fue cuando tocó una guitarra por primera vez. “El dueño del colmado tenía un tres, y lo puso sobre el mostrador. Recuerdo que tenía que pararme sobre la punta de mis pies para poder alcanzarlo. Nunca había tocado ningún tipo de instrumento antes, pero aprendi a tocar tres merengues que eran populares en aquel tiempo.” Quizas ver a un niño logrando a tocar un instrumento que aparentemente no podía tocar ponía celoso al dueño del colmado; cuando un dia Edilio rompió una cuerda el dueno se puso furioso y Edilio por miedo no quiso mas tocar. A la corta edad de cuatros años el gran maestro de la guitarra Dominicana renunció a la música para siempre.
Cuando tenía ocho años había visto más del mundo (él cuenta que cruzó el río cerca de San Felipe), y se arrepintió de su decisión. Formó un grupo con su hermano, Nelson, y Ramón Cordero, quien continuó para ser una figura importante en la bachata también. Ellos comenzaron a tocar en fiestas en la región con una guitarra que un tío de Ramón le dio a Edilio junto con algunas instrucciones básicas (Edilio aprendió en gran medida por su cuenta). Edilio recuerda que tocaba la música de Odilio Gonzalez, Julio Jaramillo y Blanca Iris Villafañe, y que soñaba con algún día llegar a tocar tan bien como la leyenda de Puerto Rico Yomo Toro.
Cuando tenía 13 años, Edilio decidió ir a la capital, Santo Domingo. Fué a trabajar en Casa Alegre, una tienda de música que era de la propiedad del cantante Cuco Valoy. Valoy también era propietario de una compañía discográfica, y Edilio fue a trabajar haciendo grabaciones para él. Grabó canciones con los cantantes Bernardo Ortiz, Rafael Encarnación y Mélida Pérez, y su reputación comenzó a crecer. Rápidamente suplantó a un número de antiguos músicos como el guitarrista más buscado para grabar “bolero campesino” – que más tarde llegaría a ser conocida como bachata.
Poco tiempo después Edilio comenzó a grabar para Radhames Aracena, el propietario de la Radio Guarachita. La estación de Aracena era la única estación de radio nacional que presentaba la música de guitarra, y la música que tocaba la estación era toda grabada mediante una de las tantas compañías discográficas que poseía Aracena. Fue durante los años del predominio de la Radio Guarachita que la bachata propiamente comenzó a fusionarse como un género. Cada bachatero en el país en un momento u otro probablemente grabó para Radhames Aracena. Como él era el “requinto” principal de Guarachita, o el guitarrista principal, todos aquellos artistas excepto por los pocos que, como Luís Segura, tocaban su propia guitarra principal, trabajaron con Edilio Paredes.
Como los años pasaron la bachata cambió de forma muy marcada. Mientras comenzó a principios de los años 1960s como una música que era a penas distinguible del bolero que la antecedía, a mediados de los 1970s la bachata comenzaba a ser mucho más rítmica y bailable. La güira reemplazó a las maracas, un cambio del cual Edilio fue parte, y los elementos de otras músicas más animadas como el son y el merengue se podían escuchar en las líneas de guitarra. La persona que más influenció en estos cambios fue indiscutiblemente quien hacía los arreglos – Edilio Paredes. Durante este periodo su nombre estuvo más estrechamente relacionado con el de su amigo de infancia Ramón Cordero, pero hizo un trabajo importante con casi todos los bachateros principales de los 1960s, 1970s y 1980s. Además de la obra sustancial de canciones clásicas, él hizo grabaciones con Marino Pérez, Bolívar Peralta, Leonardo Paniagua y José Manuel Calderón, entre otros, Edilio también sacó un buen precio de su propio trabajo.
Tener una conversación con Edilio Paredes sobre aquellos días es vislumbrar en la historia de la bachata a través de los ojos de un observador inteligente, crítico y únicamente bien informado. Y la historia que vemos es a veces difícil de ver. A medida que el género se desarrollaba, se volvió cada vez más marginalizada por la sociedad Dominicana, hasta que los creadores de la bachata y su audiencia llegaron a ser, por un tiempo, un grupo de personas despreciadas. Las razones detrás de esto son complejas y mejor tratadas en otro contexto. Sin embargo ellos sí incluyeron los esfuerzos activos de la industria del merengue para eliminar a la bachata como competencia musical eficaz; una tendencia elitista y modernista que asoció a la música de guitarra con el “subdesarrollo” del campo; y, posteriormente, una reacción puritana contra los dobles sentidos que llegaron a ser una base de la música durante los 1980s.
Afortunadamente la situación cambió. Como resultado de una variedad de factores, la popularidad de la bachata creció a ritmo constante durante los años 1990s, y podría decirse que llegó a ser la exportación musical dominicana más importante, amenazando con eclipsar al merengue, el cual tenía mayor establecimiento. La audiencia de la bachata se extiende a los largo de México, América del Centro y del Sur, Europa y los Estados Unidos. Grupos jóvenes han sido pioneros en la fusión de la bachata con rock y R&B, aunque un estilo más tradicional continua creciendo. Entre aquellos que están dirigiendo el éxito de la música están los tres hijos de Edilio, David, Samuel y Nano, quienes son músicos estupendos.
A pesar de la moda actual de la bachata, Edilio Paredes todavía no disfruta la estima que uno podría esperar en su propio país. Mientras el cuatrista Yomo Toro de Puerto Rico, ídolo de infancia de Edilio, y el tresero Francisco Repilado (Compay Segundo) de Cuba son íconos culturales es sus respectivas naciones, la relación complicada de la bachata con la cultura Dominicana relegó su mayor virtuoso a los márgenes de la sociedad. Los músicos que se beneficiaron de la popularidad recientemente adquirida de la bachata fácilmente reconocen su deuda a Edilio, y en cualquier noche dada su audiencia podría incluir algunos de los nombres de cobertura del género. Asimismo, aquellos que eran aficionados de la música cuando ésta era activamente denigrada por los medios Dominicanos conocen y reconocen a Edilio Paredes como el músico maestro que es.
Con la entrada de la bachata a nivel internacional, Edilio encontró una audiencia que puede apreciar objetivamente su gran maestría. Como miembro líder de la banda Super Uba, Edilio está presentando la bachata auténtica a un nuevo grupo de oyentes. Lejos de los burdeles y cabarets donde alguna vez esta música encontró refugio, el estilo pionero de Edilio está siendo incluido con entusiasmo en todo el mundo.
Desde la infancia, Edilio fue siempre un músico talentoso y prodigioso. Nació en La Galana, un pueblo pequeño cerca de San Francisco de Macoris, y fue la primera persona en su familia en cantar o tocar un instrumento (aunque su hermano y sus tres hijos desde entonces llegaron a ser músicos bien conocidos por su propia cuenta). Nada en la historia o procedencia de su familia auguraba la aparición de un genio musical. Sin embargo, Edilio cuenta que a la edad de cuatros años fue cuando tocó una guitarra por primera vez. “El dueño del colmado tenía un tres, y lo puso sobre el mostrador. Recuerdo que tenía que pararme sobre la punta de mis pies para poder alcanzarlo. Nunca había tocado ningún tipo de instrumento antes, pero aprendi a tocar tres merengues que eran populares en aquel tiempo.” Quizas ver a un niño logrando a tocar un instrumento que aparentemente no podía tocar ponía celoso al dueño del colmado; cuando un dia Edilio rompió una cuerda el dueno se puso furioso y Edilio por miedo no quiso mas tocar. A la corta edad de cuatros años el gran maestro de la guitarra Dominicana renunció a la música para siempre.
Cuando tenía ocho años había visto más del mundo (él cuenta que cruzó el río cerca de San Felipe), y se arrepintió de su decisión. Formó un grupo con su hermano, Nelson, y Ramón Cordero, quien continuó para ser una figura importante en la bachata también. Ellos comenzaron a tocar en fiestas en la región con una guitarra que un tío de Ramón le dio a Edilio junto con algunas instrucciones básicas (Edilio aprendió en gran medida por su cuenta). Edilio recuerda que tocaba la música de Odilio Gonzalez, Julio Jaramillo y Blanca Iris Villafañe, y que soñaba con algún día llegar a tocar tan bien como la leyenda de Puerto Rico Yomo Toro.
Cuando tenía 13 años, Edilio decidió ir a la capital, Santo Domingo. Fué a trabajar en Casa Alegre, una tienda de música que era de la propiedad del cantante Cuco Valoy. Valoy también era propietario de una compañía discográfica, y Edilio fue a trabajar haciendo grabaciones para él. Grabó canciones con los cantantes Bernardo Ortiz, Rafael Encarnación y Mélida Pérez, y su reputación comenzó a crecer. Rápidamente suplantó a un número de antiguos músicos como el guitarrista más buscado para grabar “bolero campesino” – que más tarde llegaría a ser conocida como bachata.
Poco tiempo después Edilio comenzó a grabar para Radhames Aracena, el propietario de la Radio Guarachita. La estación de Aracena era la única estación de radio nacional que presentaba la música de guitarra, y la música que tocaba la estación era toda grabada mediante una de las tantas compañías discográficas que poseía Aracena. Fue durante los años del predominio de la Radio Guarachita que la bachata propiamente comenzó a fusionarse como un género. Cada bachatero en el país en un momento u otro probablemente grabó para Radhames Aracena. Como él era el “requinto” principal de Guarachita, o el guitarrista principal, todos aquellos artistas excepto por los pocos que, como Luís Segura, tocaban su propia guitarra principal, trabajaron con Edilio Paredes.
Como los años pasaron la bachata cambió de forma muy marcada. Mientras comenzó a principios de los años 1960s como una música que era a penas distinguible del bolero que la antecedía, a mediados de los 1970s la bachata comenzaba a ser mucho más rítmica y bailable. La güira reemplazó a las maracas, un cambio del cual Edilio fue parte, y los elementos de otras músicas más animadas como el son y el merengue se podían escuchar en las líneas de guitarra. La persona que más influenció en estos cambios fue indiscutiblemente quien hacía los arreglos – Edilio Paredes. Durante este periodo su nombre estuvo más estrechamente relacionado con el de su amigo de infancia Ramón Cordero, pero hizo un trabajo importante con casi todos los bachateros principales de los 1960s, 1970s y 1980s. Además de la obra sustancial de canciones clásicas, él hizo grabaciones con Marino Pérez, Bolívar Peralta, Leonardo Paniagua y José Manuel Calderón, entre otros, Edilio también sacó un buen precio de su propio trabajo.
Tener una conversación con Edilio Paredes sobre aquellos días es vislumbrar en la historia de la bachata a través de los ojos de un observador inteligente, crítico y únicamente bien informado. Y la historia que vemos es a veces difícil de ver. A medida que el género se desarrollaba, se volvió cada vez más marginalizada por la sociedad Dominicana, hasta que los creadores de la bachata y su audiencia llegaron a ser, por un tiempo, un grupo de personas despreciadas. Las razones detrás de esto son complejas y mejor tratadas en otro contexto. Sin embargo ellos sí incluyeron los esfuerzos activos de la industria del merengue para eliminar a la bachata como competencia musical eficaz; una tendencia elitista y modernista que asoció a la música de guitarra con el “subdesarrollo” del campo; y, posteriormente, una reacción puritana contra los dobles sentidos que llegaron a ser una base de la música durante los 1980s.
Afortunadamente la situación cambió. Como resultado de una variedad de factores, la popularidad de la bachata creció a ritmo constante durante los años 1990s, y podría decirse que llegó a ser la exportación musical dominicana más importante, amenazando con eclipsar al merengue, el cual tenía mayor establecimiento. La audiencia de la bachata se extiende a los largo de México, América del Centro y del Sur, Europa y los Estados Unidos. Grupos jóvenes han sido pioneros en la fusión de la bachata con rock y R&B, aunque un estilo más tradicional continua creciendo. Entre aquellos que están dirigiendo el éxito de la música están los tres hijos de Edilio, David, Samuel y Nano, quienes son músicos estupendos.
A pesar de la moda actual de la bachata, Edilio Paredes todavía no disfruta la estima que uno podría esperar en su propio país. Mientras el cuatrista Yomo Toro de Puerto Rico, ídolo de infancia de Edilio, y el tresero Francisco Repilado (Compay Segundo) de Cuba son íconos culturales es sus respectivas naciones, la relación complicada de la bachata con la cultura Dominicana relegó su mayor virtuoso a los márgenes de la sociedad. Los músicos que se beneficiaron de la popularidad recientemente adquirida de la bachata fácilmente reconocen su deuda a Edilio, y en cualquier noche dada su audiencia podría incluir algunos de los nombres de cobertura del género. Asimismo, aquellos que eran aficionados de la música cuando ésta era activamente denigrada por los medios Dominicanos conocen y reconocen a Edilio Paredes como el músico maestro que es.
Con la entrada de la bachata a nivel internacional, Edilio encontró una audiencia que puede apreciar objetivamente su gran maestría. Como miembro líder de la banda Super Uba, Edilio está presentando la bachata auténtica a un nuevo grupo de oyentes. Lejos de los burdeles y cabarets donde alguna vez esta música encontró refugio, el estilo pionero de Edilio está siendo incluido con entusiasmo en todo el mundo.
Casandra Damirón
Casandra Damirón (12 de marzo de 1919 - 5 de diciembre de 1983), fue una cantante, bailarina y folklorista dominicana, conocida en su país como "La Soberana de la Canción".
Casandra Damirón fue una de las cantantes dominicanas más importantes y conocidas de su época, ya que marcó un antes y un después en su género musical. Es conocida por todos los dominicanos como "La Soberana"; en honor a ella, desde 1985 se celebran los Premios Casandra, los cuales son los premios más importantes del medio artístico dominicano.
En 1940 Casandra visita el Club Antillas (luego Club de la Juventud), centro social en Santo Domingo contiguo al malecón, donde debutaba esa noche la orquesta "Antillas", dirigida por el pianista y compositor Luis Rivera, nativo de Montecristi, quien en esos días había llegado de Cuba. Luís Rivera, eminente compositor dominicano, se enamoró de la voz de Casandra.
El maestro Rivera ofrece una respuesta negativa, y delega el acompañamiento en el pianista, quien hace vibrar la melodía de un conocido bolero. La elegante barahonera interpreta en su estilo “Cuando Vuelvas”, de Agustín Lara. Sobre este debut, en este Club rebosado de público, Casandra expresó: “como era natural, yo que era una novata, me encontraba realmente rudamente nerviosa, pues era la primera vez que actuaba en presencia de una cantidad de personas similar”. El maestro Rivera narraba que , posteriormente en una visita que le hizo a Casandra, ésta le manifestó que el anhelo más grande de su vida era cantar en la CMQ, la planta de radio más grande de Cuba, para ese entonces. Acordaron realizar entrenamientos de aprendizaje.
Trabajaban todas las tardes en el Ateneo Dominicano, ubicado en la calle El Conde. Luego, Casandra preparó su repertorio y participó con Rivera en un programa transmitido por la emisora HIG, sus presentaciones se constituyeron en noticia. Así, el diario La Nación publica en su edición del 22 de febrero de 1945 una información bajo el título “En el programa la Hora Selecta se presentará también a Casandra Damirón, acompañada de Luis Rivera.”. Casandra continúa sus prácticas de su canto. Su tío Fello Damirón se percata de su progreso y prepara las condiciones para varias presentaciones musicales en La Voz del Yuna, en Bonao, estación radiofónica que se distinguía por la proyección de los valores artísticos y culturales, fundada por Petán Trujillo en agosto de 1942.
El acompañamiento y animación de las presentaciones en la emisora estaban a cargo de la orquesta del maestro Julio Gutiérrez, quien viajó al extranjero en 1945 y recomendó a Rivera como sustituto, lo cual fue aceptado por Petán. Luego de esto Casandra queda en Bonao, donde conoce a a Gabriel del Orbe, Lope Balaguer, Esther Borja, José Nicolás Casimiro, Evelio Quintero, Olga Chorens entre otros.
En 1946, “La Soberana” afianzó su carrera con temas como “Cosita linda” y “Maldición Gitana”, melodiosas composiciones del músico panameño Avelino Muñoz, sirven de marco para que Casandra se consagre como artista. Su figura se dimensiona, y entonces suscribe, con la intervención de Rivera, un contrato en San Juan, Puerto Rico, lo que significa su primera y exitosa temporada fuera de su país. La Soberana agotó presentaciones en programas de televisión y en clubes nocturnos de La Habana, en compañía de luminarias cubanas, especialmente Benny Moré, “El bárbaro del ritmo”, a la sazón, uno de los artistas mejor cotizados en Cuba y México en ese momento. Las revistas Bohemia, Vanidades y Carteles se hicieron eco en sus páginas del triunfo de Casandra, quien regresa a Santo Domingo, un mes después, cargada de estatuillas y pergaminos de reconocimiento. El éxito de Casandra iba en aumento en franca competencia con las estrellas de primera clase de la época que brillaban en la región y que frecuentaban la plaza cotizada de Santo Domingo.
Los mejores artistas y grupos folclóricos de Europa y América se dieron cita en la feria de Santo Domingo. Sin embargo, no había ninguno que representara formalmente al país anfitrión.
Casandra congregó casi de forma improvisada a los mejores bailarines de la isla para formar un grupo de danza folclórica dominicana y gracias a sus merengues y danzas típicas de palos, a las mangulinas y carabinés de sus bailarines, consiguió la ovación y admiración del público, en especial la del Dictador.
Casandra y su grupo de Danzas Folklóricas Estilizadas fueron catalogados como "Embajadores de la Cultura Dominicana". Gracias a esto, la Soberana pudo viajar (privilegio otorgado por la dictadura) con su compañía de danza, a países como Francia, Suiza, España, Suecia, Estados Unidos y Argentina.
Después de una de sus funciones en París, la prensa francesa reseñó: "Casandra Damirón no es una soberana; es una emperatriz de la música. Su estilo es tempestuoso y delicado al mismo tiempo; terciopelo y dinamita".
Formó escuelas de bailes para la juventud y fomentó el estudio de las artes en las escuelas públicas y a todos los niveles sociales. Hoy en día, profesores y maestros formados por Casandra han continuado su obra mediante la formación de otros ballets.
El 5 de diciembre de 1983 falleció en la ciudad de Santo Domingo a los 64 años de edad.
Desde 1984, la Asociación de Cronistas de Arte (Acroarte) convoca los Premios Casandra, los cuales condecoran a los artistas más sobresalientes tanto nacionales como internacionales.
Por Ley el palacio Radio Television Dominicana lleva su nombre y debe identificarse como tal.
El Senado de la República Dominicana la declaró Gloria del Arte y la Cultura Nacional. Su nombre identifica la estación de la Línea 1 del Metro de Santo Domingo que da acceso al Teatro Nacional, y figura en el paseo de las estrellas de la avenida Winston Churchill en Santo Domingo. También la avenida principal de entrada de su pueblo natal, Barahona, lleva su nombre, así como un barrio popular de dicha Ciudad.
Fue declarada como una de las mujeres dominicanas más sobresalientes por la Secretaría de Estado de la Mujer de la República Dominicana.
Casandra Damirón fue una de las cantantes dominicanas más importantes y conocidas de su época, ya que marcó un antes y un después en su género musical. Es conocida por todos los dominicanos como "La Soberana"; en honor a ella, desde 1985 se celebran los Premios Casandra, los cuales son los premios más importantes del medio artístico dominicano.
Primeros años
Casandra Damirón nació el 12 de marzo de 1919 en Barahona, República Dominicana. Hija de Alicia Santana (Malena) y Eliseo Amable Damirón Sánchez (Chichí), fue la quinta de 5 hermanos. Su padre se destacó como escritor y periodista, también tocaba guitarra clásica por vocación. Fue presidente del Ateneo de Barahona y premiado y reconocido por la parisina Societé Academique D’Histoire International en 1903, llegando a ser miembro de honor el 9 de septiembre de 1929.Carrera artística
En 1925 a la edad de seis años, Casandra demostró su vocación artística actuando en las funciones y veladas que organizaba el Teatro La Unión de Barahona. Casandra aprendió luego a tocar el piano y la guitarra. En 1930, a la edad de 11 años, visita con más frecuencia el Teatro Unión, a esa edad debuta en una velada del Centro de Cultura. También participa a esa edad en el equipo de volibol Casino del Sur. En 1933 su padre es nombrado en un cargo judicial en Santo Domingo, y todos los miembros de la familia se trasladan a residir a la calle José Reyes, frente a la iglesia Las Mercedes, en la Zona Colonial. En 1939 debuta en el prestigioso Club Antillas de Santo Domingo en presencia de distinguidas personalidades de la farándula. En los medios de comunicación sólo se hablaba de aquella joven que deslumbró al público del Club con su explosiva y elegante técnica de voz.En 1940 Casandra visita el Club Antillas (luego Club de la Juventud), centro social en Santo Domingo contiguo al malecón, donde debutaba esa noche la orquesta "Antillas", dirigida por el pianista y compositor Luis Rivera, nativo de Montecristi, quien en esos días había llegado de Cuba. Luís Rivera, eminente compositor dominicano, se enamoró de la voz de Casandra.
El maestro Rivera ofrece una respuesta negativa, y delega el acompañamiento en el pianista, quien hace vibrar la melodía de un conocido bolero. La elegante barahonera interpreta en su estilo “Cuando Vuelvas”, de Agustín Lara. Sobre este debut, en este Club rebosado de público, Casandra expresó: “como era natural, yo que era una novata, me encontraba realmente rudamente nerviosa, pues era la primera vez que actuaba en presencia de una cantidad de personas similar”. El maestro Rivera narraba que , posteriormente en una visita que le hizo a Casandra, ésta le manifestó que el anhelo más grande de su vida era cantar en la CMQ, la planta de radio más grande de Cuba, para ese entonces. Acordaron realizar entrenamientos de aprendizaje.
Trabajaban todas las tardes en el Ateneo Dominicano, ubicado en la calle El Conde. Luego, Casandra preparó su repertorio y participó con Rivera en un programa transmitido por la emisora HIG, sus presentaciones se constituyeron en noticia. Así, el diario La Nación publica en su edición del 22 de febrero de 1945 una información bajo el título “En el programa la Hora Selecta se presentará también a Casandra Damirón, acompañada de Luis Rivera.”. Casandra continúa sus prácticas de su canto. Su tío Fello Damirón se percata de su progreso y prepara las condiciones para varias presentaciones musicales en La Voz del Yuna, en Bonao, estación radiofónica que se distinguía por la proyección de los valores artísticos y culturales, fundada por Petán Trujillo en agosto de 1942.
El acompañamiento y animación de las presentaciones en la emisora estaban a cargo de la orquesta del maestro Julio Gutiérrez, quien viajó al extranjero en 1945 y recomendó a Rivera como sustituto, lo cual fue aceptado por Petán. Luego de esto Casandra queda en Bonao, donde conoce a a Gabriel del Orbe, Lope Balaguer, Esther Borja, José Nicolás Casimiro, Evelio Quintero, Olga Chorens entre otros.
En 1946, “La Soberana” afianzó su carrera con temas como “Cosita linda” y “Maldición Gitana”, melodiosas composiciones del músico panameño Avelino Muñoz, sirven de marco para que Casandra se consagre como artista. Su figura se dimensiona, y entonces suscribe, con la intervención de Rivera, un contrato en San Juan, Puerto Rico, lo que significa su primera y exitosa temporada fuera de su país. La Soberana agotó presentaciones en programas de televisión y en clubes nocturnos de La Habana, en compañía de luminarias cubanas, especialmente Benny Moré, “El bárbaro del ritmo”, a la sazón, uno de los artistas mejor cotizados en Cuba y México en ese momento. Las revistas Bohemia, Vanidades y Carteles se hicieron eco en sus páginas del triunfo de Casandra, quien regresa a Santo Domingo, un mes después, cargada de estatuillas y pergaminos de reconocimiento. El éxito de Casandra iba en aumento en franca competencia con las estrellas de primera clase de la época que brillaban en la región y que frecuentaban la plaza cotizada de Santo Domingo.
Participación en "La Feria de la Paz"
En 1955 se conmemoraban los veinticinco años al poder del dictador Rafael L. Trujillo con el evento denominado Feria de la Paz y Confraternidad del Mundo Libre.Los mejores artistas y grupos folclóricos de Europa y América se dieron cita en la feria de Santo Domingo. Sin embargo, no había ninguno que representara formalmente al país anfitrión.
Casandra congregó casi de forma improvisada a los mejores bailarines de la isla para formar un grupo de danza folclórica dominicana y gracias a sus merengues y danzas típicas de palos, a las mangulinas y carabinés de sus bailarines, consiguió la ovación y admiración del público, en especial la del Dictador.
Casandra y su grupo de Danzas Folklóricas Estilizadas fueron catalogados como "Embajadores de la Cultura Dominicana". Gracias a esto, la Soberana pudo viajar (privilegio otorgado por la dictadura) con su compañía de danza, a países como Francia, Suiza, España, Suecia, Estados Unidos y Argentina.
Después de una de sus funciones en París, la prensa francesa reseñó: "Casandra Damirón no es una soberana; es una emperatriz de la música. Su estilo es tempestuoso y delicado al mismo tiempo; terciopelo y dinamita".
Vida personal
En 1939, a la edad de 20 años, Casandra contrae nupcias con Andrés Moreta, con quien procrea, pese a ser un matrimonio efímero, a José Andrés (Papito) Moreta Damirón. Posteriormente en 1940 conoce al músico y director de orquesta Luis Rivera González con el cual contrae matrimonio en segundas nupcias el 4 de junio de 1948, procreando a Checheo Rivera Damirón y a Luisa Rivera Damirón.Labor pedagógica
Hasta el final de sus días, Casandra Damirón se consagró a la formación artística de las nuevas generaciones dominicanas, siendo una excelente promotora de la música y la danza folklórica.Formó escuelas de bailes para la juventud y fomentó el estudio de las artes en las escuelas públicas y a todos los niveles sociales. Hoy en día, profesores y maestros formados por Casandra han continuado su obra mediante la formación de otros ballets.
Últimos días, enfermedad y muerte
En 1979, con más de medio siglo de éxitos, Casandra dedica sus últimos años a formar jóvenes en el baile folklórico, zapateando y cantando las tradiciones de su pueblo. Ese año el cáncer le afecta uno sus órganos. A pesar de su desgracia, ante los turbulentos acontecimientos que azotaban a la sociedad dominicana de ese entonces, exclama: “Lamento que por enfermedad yo no pueda coger la espada para luchar con los que tienen las cosas en las manos y no hacen nada”. Fue operada de su enfermedad. Recuperada, continuó trabajando en los barrios de su natal Barahona. El 1 de diciembre de 1983, en el interior de Casa de Teatro en Barahona, el Teatro Popular Danzante y el pueblo barahonero le tributan un homenaje.El 5 de diciembre de 1983 falleció en la ciudad de Santo Domingo a los 64 años de edad.
Reconocimientos y legado
Casandra fue una auténtica pionera en dar a conocer la noche tropical a nivel internacional y en promover géneros dominicanos tan reconocidos como el merengue.Desde 1984, la Asociación de Cronistas de Arte (Acroarte) convoca los Premios Casandra, los cuales condecoran a los artistas más sobresalientes tanto nacionales como internacionales.
Por Ley el palacio Radio Television Dominicana lleva su nombre y debe identificarse como tal.
El Senado de la República Dominicana la declaró Gloria del Arte y la Cultura Nacional. Su nombre identifica la estación de la Línea 1 del Metro de Santo Domingo que da acceso al Teatro Nacional, y figura en el paseo de las estrellas de la avenida Winston Churchill en Santo Domingo. También la avenida principal de entrada de su pueblo natal, Barahona, lleva su nombre, así como un barrio popular de dicha Ciudad.
Fue declarada como una de las mujeres dominicanas más sobresalientes por la Secretaría de Estado de la Mujer de la República Dominicana.
Canciones más populares
Casandra Damirón además de bailarina folklórica se caracterizó por su melódica voz y popularizó varias canciones entre los años 1940 y 1979, entre ellas:- "Campanitas de cristal", escrita por el compositor Rafael Hernández Marín
- "Eres todo en mi vida", publicada el 7 de febrero de 1936 y escrita por Antonio Fernández y musicalizada por Luis Rivera González.
- "Reina", publicada el 14 de abril de 1937 y de la autoría de Luis Rivera González.
- "Rosas para ti", publicada el 16 de mayo de 1937 y de la autoría de Luis Rivera González.
- "Vida", publicada en 1940 de la autoría de Luis Rivera González.
- "Llegaste a mí", publicada el 14 de febrero de 1958 y de la autoría de Luis Rivera González.
- "Porque dudas", publicada el 1 de septiembre de 1958 y de la autoría de Luis Rivera González.
- "Yo no sé", de la autoría de Luis Rivera González.
- "Para que hablemos de amor", de la autoría de Luis Rivera González.
- "La salve de monte adentro", de la autoría de Luis Rivera González.
- "Mi cielo", de la autoría de Luis Rivera González.
- "Ella", de la autoría de Luis Rivera González.
- "Noche tropical", de la autoría de Luis Rivera González.
- "Baile mi merengue", de la autoría de Luis Rivera González.
- "El merengue y la plena", de la autoría de Luis Rivera González.
Ángela Carrasco
Ángela Altagracia Carrasco Rodríguez (nacida el 23 de enero en Dajabón), conocida como Ángela Carrasco, es una cantante
dominicana, reconocida en su país como una de las pocas artistas
femeninas de renombre internacional y la primera en internacionalizarse
como cantante.1 Carrasco fue una de las divas de América Latina durante las décadas de 1970 y 1980. Este grupo también incluye a Susana Giménez, Charytín, Iris Chacón, Ednita Nazario, Yolandita Monge, Rocío Dúrcal, entre otras.
Nacida en una localidad aislada de la República Dominicana, Carrasco emigró a España donde disfrutó de gran éxito con la ayuda de su mentor y amigo el cantante español Camilo Sesto quien además es el autor de la mayoría de sus canciones. Iniciando su carrera a finales de la década de 1970, alcanzó su mayor esplendor con éxitos como "Quererte a ti", "No me puedo quejar", "Lo quiero a morir", "Quiéreme", "Ahora o nunca", "Si tú eres mi hombre", "Alguien como tú", entre otros. Su sencillo "Boca rosa" alcanzó el número uno en el Hot Latin Tracks de la Billboard a finales de 1988.
Previo a su éxito en el canto, Carrasco participó como actriz en 1975 representando a María Magdalena en la versión española de la ópera-rock Jesucristo Superstar, junto a Camilo Sesto; además de actuar en varias obras musicales y programas televisivos españoles.
En sus más de 30 años de carrera y con varios discos grabados, Ángela Carrasco ha llegado a ganar diversos premios musicales. En 2009, fue honrada con un Casandra Especial en la XXV edición de los Premios Casandra en la República Dominicana.
Carrasco nació el 23 de enero en Dajabón, República Dominicana. Es hija de Blas de Jesús Carrasco Gómez, un guitarrista que había formado una academia de música y Ángela Rodríguez, una cantante que nunca pudo ejercer por sus responsabilidades familiares. Es la cuarta de siete hermanos1
La música siempre ha sido parte de la familia. A los siete años hizo su primera incursión en el mundo de la publicidad, interpretando el tema de una bebida. Se presentó junto a su padre en un auditorio de su país interpretando un tema del compositor dominicano Salvador Sturla. A los trece años, junto a sus hermanas, comenzó a impartir clases de guitarra en la Escuela de Música Salvador Sturla, de la cual su padre era director artístico y propietario. A los 15 años, se convirtió en presentadora en un programa de televisión llamado Órbita y se destacó en el programa Cascada de Éxitos. En este período tuvo una participación activa en el mundo artístico dominicano y posteriormente logró obtener una beca de estudios en España.
Después de su llegada a España a finales de la década 1970, Carrasco comienza a actuar en teatros musicales. Surgió su primera oportunidad en un programa de televisión que se llamado ¡Señoras y señores!, con Valerio Lazarov; en ese programa, Carrasco comenzó como coanimadora, para luego quedarse ya como presentadora oficial durante un año. Esta experiencia sirvió de trampolín al cine y a la televisión. En 1975, llegó la oportunidad de oro a través de la ópera-rock Jesucristo Superstar donde interpretó a María Magdalena junto a Camilo Sesto tras éste obtener los derechos para realizar el montaje y la producción de la obra en castellano. La obra fue destacada en diversas portadas de revistas, ganó premios y reconocimientos, llegando a alcanzar los primeros lugares en las listas de popularidad junto al disco de Camilo Jesucristo Superstar, tanto en España como en Centro y Sudamérica. En agosto de 1976, Carrasco dejó la obra para ser madre de su primer hijo, y también comenzó a escucharse el tema "No, no hay nadie más", resultando un éxito que logró marcas en ventas igual a cualquier cantante masculino del momento.
Meses más tarde Carrasco y el productor y compositor Camilo Sesto, quien produjo y compuso la mayoría de los éxitos de su carrera, se embarcan en una gira que recorrió varios países de América, incluyendo Estados Unidos, donde su aparición en el Madison Square Garden de Nueva York los convirtió en el dúo más famoso de habla castellana del momento. Sesto le produjo éxitos como "Amigo mío", "Cuenta conmigo", "Mamma", "Quiéreme", "Quererte a ti", entre otras. Carrasco y Sesto luego se convertirían en el dúo por excelencia de la época realizando juntos por lo menos tres giras más por América. Volvieron a grabar juntos el tema "Callados", con un éxito rotundo. Posterior a esto, Sesto le produjo y compuso cinco exitosos álbumes más. Ese mismo año ella regresó a los escenarios con My Fair Lady, personaje que encarnó en un teatro madrileño.
En 1981, grabó un disco con Juan Carlos Calderón; el álbum "Con amor...", del cual se desprendieron varios temas, como "Cariño mio" con letra de Mariní Callejo. Posteriormente grabó dos producciones de Óscar Gómez, La dama del Caribe, donde interpreta "Caribe" junto al salsero Willy Chirino, y "La candela", a dúo con la cantante Celia Cruz.
En 1987, Carrasco decidió radicarse en Estados Unidos donde cosechó éxitos, pasando por gran parte de Latinoamérica donde corrió con la misma suerte y donde compartió con otros artístas ya establecidos en el mundo del espectáculo de la época. Con su nueva casa disquera grabó "Boca rosa", "Ese hombre es..." de 1989 y "Piel canela" de 1992. En esta última producción se hizo acreedora de los premios Billboard y Lo Nuestro como la mejor cantante tropical del año.
Carrasco dejó de grabar por 2 años, para regresar con una producción discográfica con canciones de los años 1940, 1950 y 1960 de la mano del cantautor mexicano Juan Gabriel. De allí nació una gran amistad y ambos decidieron grabar a dúo el tema "Libro abierto".
Luego de tres años decidió volver, y junto al productor venezolano Miguel Sierralta Jr grabó baladas románticas llevadas al género mexicano con acompañamiento de mariachi. El disco fue compuesto por 11 temas popularizados por artistas reconocidos versionados por Carrasco en este popular género musical. Temas como "A puro dolor" de la agrupación Son By Four, "Vivir lo nuestro" interpretado por La India y Marc Anthony y "Te extraño, te olvido, te amo" por Ricky Martin, es parte del repertorio de este disco. También participó en el reality Gran Hermano, donde su estadía no fue tan prolongada.
En septiembre de 2006 durante cuatro días, celebró su espectáculo "A viva voz 30 años de música" en el Teatro Reina Victoria de Madrid, llevando el show a varios teatros y salas de España y América.
Desde 2013, Ángela Carrasco se encuentra participando en la tercera edición del programa de televisión Tu cara me suena de Antena 3 donde debe realizar varias imitaciones de otros famosos.
Nacida en una localidad aislada de la República Dominicana, Carrasco emigró a España donde disfrutó de gran éxito con la ayuda de su mentor y amigo el cantante español Camilo Sesto quien además es el autor de la mayoría de sus canciones. Iniciando su carrera a finales de la década de 1970, alcanzó su mayor esplendor con éxitos como "Quererte a ti", "No me puedo quejar", "Lo quiero a morir", "Quiéreme", "Ahora o nunca", "Si tú eres mi hombre", "Alguien como tú", entre otros. Su sencillo "Boca rosa" alcanzó el número uno en el Hot Latin Tracks de la Billboard a finales de 1988.
Previo a su éxito en el canto, Carrasco participó como actriz en 1975 representando a María Magdalena en la versión española de la ópera-rock Jesucristo Superstar, junto a Camilo Sesto; además de actuar en varias obras musicales y programas televisivos españoles.
En sus más de 30 años de carrera y con varios discos grabados, Ángela Carrasco ha llegado a ganar diversos premios musicales. En 2009, fue honrada con un Casandra Especial en la XXV edición de los Premios Casandra en la República Dominicana.
Carrasco nació el 23 de enero en Dajabón, República Dominicana. Es hija de Blas de Jesús Carrasco Gómez, un guitarrista que había formado una academia de música y Ángela Rodríguez, una cantante que nunca pudo ejercer por sus responsabilidades familiares. Es la cuarta de siete hermanos1
La música siempre ha sido parte de la familia. A los siete años hizo su primera incursión en el mundo de la publicidad, interpretando el tema de una bebida. Se presentó junto a su padre en un auditorio de su país interpretando un tema del compositor dominicano Salvador Sturla. A los trece años, junto a sus hermanas, comenzó a impartir clases de guitarra en la Escuela de Música Salvador Sturla, de la cual su padre era director artístico y propietario. A los 15 años, se convirtió en presentadora en un programa de televisión llamado Órbita y se destacó en el programa Cascada de Éxitos. En este período tuvo una participación activa en el mundo artístico dominicano y posteriormente logró obtener una beca de estudios en España.
Después de su llegada a España a finales de la década 1970, Carrasco comienza a actuar en teatros musicales. Surgió su primera oportunidad en un programa de televisión que se llamado ¡Señoras y señores!, con Valerio Lazarov; en ese programa, Carrasco comenzó como coanimadora, para luego quedarse ya como presentadora oficial durante un año. Esta experiencia sirvió de trampolín al cine y a la televisión. En 1975, llegó la oportunidad de oro a través de la ópera-rock Jesucristo Superstar donde interpretó a María Magdalena junto a Camilo Sesto tras éste obtener los derechos para realizar el montaje y la producción de la obra en castellano. La obra fue destacada en diversas portadas de revistas, ganó premios y reconocimientos, llegando a alcanzar los primeros lugares en las listas de popularidad junto al disco de Camilo Jesucristo Superstar, tanto en España como en Centro y Sudamérica. En agosto de 1976, Carrasco dejó la obra para ser madre de su primer hijo, y también comenzó a escucharse el tema "No, no hay nadie más", resultando un éxito que logró marcas en ventas igual a cualquier cantante masculino del momento.
Meses más tarde Carrasco y el productor y compositor Camilo Sesto, quien produjo y compuso la mayoría de los éxitos de su carrera, se embarcan en una gira que recorrió varios países de América, incluyendo Estados Unidos, donde su aparición en el Madison Square Garden de Nueva York los convirtió en el dúo más famoso de habla castellana del momento. Sesto le produjo éxitos como "Amigo mío", "Cuenta conmigo", "Mamma", "Quiéreme", "Quererte a ti", entre otras. Carrasco y Sesto luego se convertirían en el dúo por excelencia de la época realizando juntos por lo menos tres giras más por América. Volvieron a grabar juntos el tema "Callados", con un éxito rotundo. Posterior a esto, Sesto le produjo y compuso cinco exitosos álbumes más. Ese mismo año ella regresó a los escenarios con My Fair Lady, personaje que encarnó en un teatro madrileño.
En 1981, grabó un disco con Juan Carlos Calderón; el álbum "Con amor...", del cual se desprendieron varios temas, como "Cariño mio" con letra de Mariní Callejo. Posteriormente grabó dos producciones de Óscar Gómez, La dama del Caribe, donde interpreta "Caribe" junto al salsero Willy Chirino, y "La candela", a dúo con la cantante Celia Cruz.
En 1987, Carrasco decidió radicarse en Estados Unidos donde cosechó éxitos, pasando por gran parte de Latinoamérica donde corrió con la misma suerte y donde compartió con otros artístas ya establecidos en el mundo del espectáculo de la época. Con su nueva casa disquera grabó "Boca rosa", "Ese hombre es..." de 1989 y "Piel canela" de 1992. En esta última producción se hizo acreedora de los premios Billboard y Lo Nuestro como la mejor cantante tropical del año.
Carrasco dejó de grabar por 2 años, para regresar con una producción discográfica con canciones de los años 1940, 1950 y 1960 de la mano del cantautor mexicano Juan Gabriel. De allí nació una gran amistad y ambos decidieron grabar a dúo el tema "Libro abierto".
Luego de tres años decidió volver, y junto al productor venezolano Miguel Sierralta Jr grabó baladas románticas llevadas al género mexicano con acompañamiento de mariachi. El disco fue compuesto por 11 temas popularizados por artistas reconocidos versionados por Carrasco en este popular género musical. Temas como "A puro dolor" de la agrupación Son By Four, "Vivir lo nuestro" interpretado por La India y Marc Anthony y "Te extraño, te olvido, te amo" por Ricky Martin, es parte del repertorio de este disco. También participó en el reality Gran Hermano, donde su estadía no fue tan prolongada.
En septiembre de 2006 durante cuatro días, celebró su espectáculo "A viva voz 30 años de música" en el Teatro Reina Victoria de Madrid, llevando el show a varios teatros y salas de España y América.
Desde 2013, Ángela Carrasco se encuentra participando en la tercera edición del programa de televisión Tu cara me suena de Antena 3 donde debe realizar varias imitaciones de otros famosos.
Joan Soriano
Nacido en 1972 en el pueblo de
Monte Plata, cerca de Santo Domingo en la República Dominicana, Joan
Soriano ha capturado recientemente la atención de dos cineastas
americanos y ha atraído una amplia audiencia a nivel internacional de
los entusiastas del “World Music”. Se encuentra reseñado en el
documental de Alex Wolfe “Santo Domingo Blues", y es la estrella y tema
central del próximo documental de Adam Tabú, "El Duque” . Soriano es una
nueva estrella emergente de la Republica Dominicana y figura en la
Rough Guide / Red Mundial de la Música "Bachata" compilación que la
integra junto a varias legendas Dominicanas de la música.
De niño las manos de Soriano fueron protegidos por su padre de los peligros de los trabajos agrícolas, después de que este descubriera el talento que su hijo tenía para tocar la guitarra. Construyo su primera guitarra de utilizando una caja de desechos de metales y una línea de pesca, formando su primera banda con sus hermanos y hermanas. Con el tiempo, Soriano alimentado por su talento logro trabajar y tocar con algunos de los más importantes exponentes del merengue y la bachata en la República Dominicana, estos estilos son parte importante de la cultura dominicana, con rasgos musicales de África, Europa, América Latina y el Caribe. Soriano es parte de esa tradición Afro-Dominicana de palo y Gaga, y mezcla estos estilos de percusión con una fuerte puesta en escena, al momento de tocar su bachata
Considerando que gran parte de la música exportadas fuera de la República Dominicana tiene un sonido pop, Soriano trata de conservar esa parte tradicional y clásica de los estilos de la música Dominicana - raro para un integrante de estas nuevas generaciones de músicos.
De niño las manos de Soriano fueron protegidos por su padre de los peligros de los trabajos agrícolas, después de que este descubriera el talento que su hijo tenía para tocar la guitarra. Construyo su primera guitarra de utilizando una caja de desechos de metales y una línea de pesca, formando su primera banda con sus hermanos y hermanas. Con el tiempo, Soriano alimentado por su talento logro trabajar y tocar con algunos de los más importantes exponentes del merengue y la bachata en la República Dominicana, estos estilos son parte importante de la cultura dominicana, con rasgos musicales de África, Europa, América Latina y el Caribe. Soriano es parte de esa tradición Afro-Dominicana de palo y Gaga, y mezcla estos estilos de percusión con una fuerte puesta en escena, al momento de tocar su bachata
Considerando que gran parte de la música exportadas fuera de la República Dominicana tiene un sonido pop, Soriano trata de conservar esa parte tradicional y clásica de los estilos de la música Dominicana - raro para un integrante de estas nuevas generaciones de músicos.
Marino Perez
Para 1970 y 1980, la bachata fue malignizada por la sociedad
dominicana por su asociación con la pobreza, el atraso rural, la
delincuencia, la embriaguez y la prostitución. Consciente de la mala
opinión que su música generaba en ciertos sectores de la sociedad,
algunos bachateros como Leonardo Paniagua y Luís Segura trataron de
distanciarse del género a través de la grabación de versiones de baladas
y otros estilos musicales mucho más aceptados provenientes del
extranjero. Otros bachateros a su vez adoptaron el estilo de vida de las
zonas urbanas y bares donde la bachata era cantada libremente y sus
temas eran acerca de la bebida, las peleas y los burdeles. El cantante
que mejor expreso y fue conocido por vivir esa vida fue el bachatero
Marino Pérez. Con sincero sentimiento y humor oscuro, Pérez cantó la
historia de bares y barrios donde los amantes celosos peleaban, los
hombres y las mujeres se traicionaban entre sí, los insultos son objeto
de comercio y la botella de ron siempre omnipresente. Esto no fue una
vida ficticia para Pérez, él realmente la vivió, y este mundo y forma de
vida finalmente lo mató.
Marino Pérez nació en Guayabo Dulce, un campo cerca de la ciudad oriental de San Pedro de Macorís. Su edad difícil de saber incluso los más cercanos a él dudan en adivinarla; durante su juventud era un hombre muy apuesto con mucha vitalidad, para mediados de 1990 el alcoholismo había transformado sus facciones y lucia mucho mayor de lo que realmente era. Marino aparece en la escena de la bachata en 1969 cuando se traslada a la capital dominicana, Santo Domingo. A sugerencia de Manuel Menegildo de Marisol Records, solicito la ayuda del guitarrista Edilio Paredes para grabar su primer solo. Pero Edilio para ese momento estaba simpatizando con la idea de convertirse en un cristiano evangélico, nada que ver con el oscuro mundo de la bachata. En lugar de él, Pérez grabo la canción con el guitarrista Augusto Santos, "El trago de olvidar", convirtiéndose en un clásico instantáneo que aun hoy en día sigue siendo uno de las canciones más populares de Pérez.
Marino pasó a grabar éxito tras éxito, glorificando así la vida del cabaretero. Estuvo acompañado siempre en sus canciones y en sus aventuras por su segunda guitarra; su compañero y paisano oriundo de San Pedro el Chijo Osoria; sus diálogos en los inicios de las canciones de Marino se convirtieron en una marca registrada de la bachata cabaret. Mujer: "Perdóname, papi, por piedad..." Chijo: "Marino, perdona pero esa pobre mujer". Marino: "Ah, pero es que tu no sabes, lo que me hizo esa sinvergüenza... no, no y no, por mi que se muera".
Las historias que los demás bachateros pueden contar sobre Pérez podrían provenir de sus canciones. Una vez Julio Angel, el autor de la exitosa pieza "El Pajón", visitó a Marino en San Pedro. Una noche de farra pasaron los dos bebiendo en un prostíbulos hasta la inconciencia, cuando Julio Angel despertó no veía señal de Pérez o de su guitarra, la misma que los había acompañado durante su noche de farra mientras ellos cantaban y bebían. Pérez fue a la casa donde había pasado la noche anterior, pero no encontró rastro de ambos, entonces comenzó a recorrer todos los bares y burdeles que él sabía que Marino frecuentaba. Todo el mundo le decía que habían visto a Pérez y a la guitarra pero ya se habían ido. Por último Julio Angel llegó a un cabaret donde vio su guitarra detrás de la barra, le dijo al cantinero que esa era suya y el cantinero le respondió que Marino la había utilizado para poder cubrir la cuenta y seguir bebiendo después de que su dinero se había agotado. Julio Angel recuerda que le tomó a Pérez casi tres meses poder recuperar la guitarra y tener a Julio en la capital. Otro bachatero recuerda que a él y a Pérez, Massimino Sánchez un promotor musical les pago por las venta de disco con un intercambio con los propietarios de Colmados (una tienda al mayor) a razón de 2,45 por botella de ron.
La música de Marino Pérez tiene todas las características que hicieron la bachata tan popular y al mismo tiempo tan difamada. Por un lado esta la emoción de su voz, a veces desolada y en otras llena de energía y júbilo, caracteristicas de los cantantes del campo en el Caribe. Sin ningún tipo de entrenamiento y en algunos casos descuidado, Marino generalmente cantaba fuera de tono, incluso en algunas de sus más famosas grabaciones, dándole a los críticos de la bachata material para sustentar sus argumentos. Sin embargo, lo audaz de su canto y su estilo único lo hicieron atraer a un buen público de amantes de la bachata y sus canciones hoy en día siguen siendo unas de las más amadas y recordadas entre el repertorio clásico de la bachata. Si bien con Edilio Paredes y Augusto Santos hizo algunos de sus mejores trabajos, también es cierto que muchas de las críticas que se le dieron a la bachata durante los años 1970 y 1980, con respecto a la mala calidad del sonido, el canto y maestría musical, en el caso de Pérez son mucho más ciertas, él fue un prolífico compositor y era conocido por grabar aproximadamente treinta canciones en una sola tarde, este tipo de producción, naturalmente, podría resultar en letras y melodías repetitivas y con un resultado en la grabación de poca calidad. Pese a ello Pérez fue probablemente el bachatero de mayor venta de su época, casi todas sus producciones se convirtieron en un éxito. A diferencia de muchos bachateros la mayoría de las canciones de Marino fueron composiciones propias, llenas de dolor, frustración, orgullo y humor de una vida que se desvaneció en el tiempo.
Pérez continuo grabando y vendiendo un sin numero de canciones durante el decenio de 1980, incluso varias de sus canciones mas populares fueron grabadas en merengues por artistas como Wilfrido Vargas. Para el momento que Marino murió a mediados de los 90 la bachata se estaba moviendo en una nueva dirección con la prevalencia de letras más suave y la introducción de innovaciones como la guitarra eléctrica. La nueva generación de jóvenes aficionados a la bachata incluso aquellos que están familiarizados con bachateros como Luís Segura y Leonardo Paniagua, no reconocen el nombre de Pérez a pesar de la enorme popularidad que una vez gozo. Sin embargo, su legado es recordado a pesar que su nombre se desvanece en el tiempo. Algunas de las canciones de Marino se popularizaron en la República Dominicana aun cuando el nombre del autor se olvida, sus letras son ahora de conocimiento público y forman parte de la memoria colectiva. Es difícil determinar la influencia que puede haber tenido Marino en las futuras generaciones de bachateros, quienes han buscado a artistas como Segura, Eladio Romero Santos y Blas Durán de inspiración, pero para el cabaret bachatero, Marino sigue siendo un icono; vivió la historia de la música, tanto como autor y como personaje y murió de la misma manera. A pesar del paso del tiempo, las canciones de Marino están inspiradas en el Jíbaro de Puerto Rico su soledad, angustias de una vida en decadencia y la alegría de una serenata en una noche bajo las estrellas las palmeras.
Marino Pérez nació en Guayabo Dulce, un campo cerca de la ciudad oriental de San Pedro de Macorís. Su edad difícil de saber incluso los más cercanos a él dudan en adivinarla; durante su juventud era un hombre muy apuesto con mucha vitalidad, para mediados de 1990 el alcoholismo había transformado sus facciones y lucia mucho mayor de lo que realmente era. Marino aparece en la escena de la bachata en 1969 cuando se traslada a la capital dominicana, Santo Domingo. A sugerencia de Manuel Menegildo de Marisol Records, solicito la ayuda del guitarrista Edilio Paredes para grabar su primer solo. Pero Edilio para ese momento estaba simpatizando con la idea de convertirse en un cristiano evangélico, nada que ver con el oscuro mundo de la bachata. En lugar de él, Pérez grabo la canción con el guitarrista Augusto Santos, "El trago de olvidar", convirtiéndose en un clásico instantáneo que aun hoy en día sigue siendo uno de las canciones más populares de Pérez.
Marino pasó a grabar éxito tras éxito, glorificando así la vida del cabaretero. Estuvo acompañado siempre en sus canciones y en sus aventuras por su segunda guitarra; su compañero y paisano oriundo de San Pedro el Chijo Osoria; sus diálogos en los inicios de las canciones de Marino se convirtieron en una marca registrada de la bachata cabaret. Mujer: "Perdóname, papi, por piedad..." Chijo: "Marino, perdona pero esa pobre mujer". Marino: "Ah, pero es que tu no sabes, lo que me hizo esa sinvergüenza... no, no y no, por mi que se muera".
Las historias que los demás bachateros pueden contar sobre Pérez podrían provenir de sus canciones. Una vez Julio Angel, el autor de la exitosa pieza "El Pajón", visitó a Marino en San Pedro. Una noche de farra pasaron los dos bebiendo en un prostíbulos hasta la inconciencia, cuando Julio Angel despertó no veía señal de Pérez o de su guitarra, la misma que los había acompañado durante su noche de farra mientras ellos cantaban y bebían. Pérez fue a la casa donde había pasado la noche anterior, pero no encontró rastro de ambos, entonces comenzó a recorrer todos los bares y burdeles que él sabía que Marino frecuentaba. Todo el mundo le decía que habían visto a Pérez y a la guitarra pero ya se habían ido. Por último Julio Angel llegó a un cabaret donde vio su guitarra detrás de la barra, le dijo al cantinero que esa era suya y el cantinero le respondió que Marino la había utilizado para poder cubrir la cuenta y seguir bebiendo después de que su dinero se había agotado. Julio Angel recuerda que le tomó a Pérez casi tres meses poder recuperar la guitarra y tener a Julio en la capital. Otro bachatero recuerda que a él y a Pérez, Massimino Sánchez un promotor musical les pago por las venta de disco con un intercambio con los propietarios de Colmados (una tienda al mayor) a razón de 2,45 por botella de ron.
La música de Marino Pérez tiene todas las características que hicieron la bachata tan popular y al mismo tiempo tan difamada. Por un lado esta la emoción de su voz, a veces desolada y en otras llena de energía y júbilo, caracteristicas de los cantantes del campo en el Caribe. Sin ningún tipo de entrenamiento y en algunos casos descuidado, Marino generalmente cantaba fuera de tono, incluso en algunas de sus más famosas grabaciones, dándole a los críticos de la bachata material para sustentar sus argumentos. Sin embargo, lo audaz de su canto y su estilo único lo hicieron atraer a un buen público de amantes de la bachata y sus canciones hoy en día siguen siendo unas de las más amadas y recordadas entre el repertorio clásico de la bachata. Si bien con Edilio Paredes y Augusto Santos hizo algunos de sus mejores trabajos, también es cierto que muchas de las críticas que se le dieron a la bachata durante los años 1970 y 1980, con respecto a la mala calidad del sonido, el canto y maestría musical, en el caso de Pérez son mucho más ciertas, él fue un prolífico compositor y era conocido por grabar aproximadamente treinta canciones en una sola tarde, este tipo de producción, naturalmente, podría resultar en letras y melodías repetitivas y con un resultado en la grabación de poca calidad. Pese a ello Pérez fue probablemente el bachatero de mayor venta de su época, casi todas sus producciones se convirtieron en un éxito. A diferencia de muchos bachateros la mayoría de las canciones de Marino fueron composiciones propias, llenas de dolor, frustración, orgullo y humor de una vida que se desvaneció en el tiempo.
Pérez continuo grabando y vendiendo un sin numero de canciones durante el decenio de 1980, incluso varias de sus canciones mas populares fueron grabadas en merengues por artistas como Wilfrido Vargas. Para el momento que Marino murió a mediados de los 90 la bachata se estaba moviendo en una nueva dirección con la prevalencia de letras más suave y la introducción de innovaciones como la guitarra eléctrica. La nueva generación de jóvenes aficionados a la bachata incluso aquellos que están familiarizados con bachateros como Luís Segura y Leonardo Paniagua, no reconocen el nombre de Pérez a pesar de la enorme popularidad que una vez gozo. Sin embargo, su legado es recordado a pesar que su nombre se desvanece en el tiempo. Algunas de las canciones de Marino se popularizaron en la República Dominicana aun cuando el nombre del autor se olvida, sus letras son ahora de conocimiento público y forman parte de la memoria colectiva. Es difícil determinar la influencia que puede haber tenido Marino en las futuras generaciones de bachateros, quienes han buscado a artistas como Segura, Eladio Romero Santos y Blas Durán de inspiración, pero para el cabaret bachatero, Marino sigue siendo un icono; vivió la historia de la música, tanto como autor y como personaje y murió de la misma manera. A pesar del paso del tiempo, las canciones de Marino están inspiradas en el Jíbaro de Puerto Rico su soledad, angustias de una vida en decadencia y la alegría de una serenata en una noche bajo las estrellas las palmeras.
Jose Manuel Calderon
En los primeros años de la
bachata, cualquier número de artistas influyentes ejerció su impacto en
el género. Luís Segura fue bautizado como “El Padre de la Bachata”
debido al impacto de sus interpretaciones vocales melodramáticas, así
como a su longevidad; Edilio Paredes y Augusto Santos jugaron roles
cruciales, como músicos y arreglistas, en la forja de la estructura
estilística de la música. Cuco Valoy es único en haber actuado como
promotor, personalidad de radio, distribuidor y artista de de un sello
discográfico durante los primeros años de la bachata. Existe mucho
espacio para debatir sobre cuál de éstos bachateros tuvo la mayor
influencia en el desarrollo del género. Sin embargo no existe un debate
del todo, en cuanto al hecho de que la primera bachata que debe ser
considerada como tal no fue grabada por ninguno de ellos, sino por José
Manuel Calderón el 30 de mayo de 1962, en los estudios de
Radiotelevisión Dominicana (Borracho de amor y Condena).
El estilo de música que grabó el nativo de San Pedro se encontraba mucho más próximo al bolero que a las disposiciones de dos guitarras adicionales de la bachata como lo más distinguible. A diferencia de muchos otros bachateros posteriores, Calderón no cantaba con una voz sutil y tenor, sino más bien con un sonoro barítono reminiscente de los cantantes mexicanos como Pedro Infante. Muchos de sus arreglos incluyeron secciones de cuerda, secciones de trompeta o un piano, aunque una innovación únicamente dominicana en la música de Calderón fue el uso de la güira en lugar de las maracas para marcar el tiempo. A diferencia de otros bachateros, Calderón hizo sus grabaciones con una güira desde el primer día. Su música también fue recibida por el público y por sus artistas compañeros como bolero, sin el estigma de que la bachata podría llegar a una tendencia bajista. El grabó “Por seguirte” en 1966 acompañado por la orquesta de Johnny Ventura, y el gran Felipe Rodríguez del bolero puertorriqueño fue instrumental en la promoción de “Llanto a la luna”, probablemente la canción preferida de Calderón. Calderón continuo cultivando una amistad perdurable con Rodríguez, cuyo estilo es algo similar al suyo. En el año después de su primera grabación innovadora, sacó al mercado cuatro sencillos, cada uno de los cuales continuó para llegar a ser un clásico no solo en el género sino también el la cultura dominicana en general --- Quema esas cartas, Lagrimas de sangre, Serpiente humana y Llanto a la luna Según Calderón, él continuó grabando cuarenta y dos sencillos sucesivos que fueron, por los estándares de la informal economía, todos ellos éxitos principales.
Calderón disfrutó de privilegios al haber trabajado antes de la marginalización del género, los cuales ya no estarían disponibles para bachateros posteriores, haciendo grabaciones con compañías discográficas internacionales como Kubaney. En 1967, viajó a Nueva York para grabar con la compañía discográfica BMC, y decidió permanecer allí con su guitarrista principal Andrés Rodríguez. Durante los siguientes cinco años Calderón fue un símbolo en una escena musical que giró ante todo alrededor de boleristas puertorriqueños bien conocidos como Felipe Rodríguez, Blanca Iris Villafañe, Tommy Figueron y Odilio Gonzáles. En esta compañía tocó en recintos como el Teatro Riopiedras, el Teatro Jefferson y el legendario Teatro Puerto Rico
En 1972, Calderón regresó a República Dominicana para encontrar un cambio substancial en la suerte de la bachata. La música había llegado a ser para entonces marginalizada, asociada con la prostitución y la pobreza, y solamente una estación de radio a lo largo de la nación, Radio Guarachita, difundía la música. La relegación de la bachata a una música de “la mala vida” a su vez afectó a la percepción que tenía el público de Calderón, quien fue catalogado con otros bachateros cuyos estilos eran considerablemente más decadentes que el suyo. Sin embargo la música que hacía comenzó a cambiar a medida que el género cambiaba, y las canciones que compuso en este periodo cuentan la historia de la vida en el burdel y en el barrio de la misma manera que lo hace la música de otros bachateros (La saqué de la barra, Bebiendo en la barra). Estas canciones fueron comercialmente exitosas, pero no llegaron a ser clásicos de la cultura popular dominicana de la manera en que lo habían hecho sus anteriores éxitos. La situación fue suficientemente difícil para animar a Calderón a regresar a Nueva York, donde vio crecer una comunidad dominicana en las Cumbres de Washington, y dar origen a una escena de bachata flamante allí también. En el lugar en el que una vez había tocado para audiencias puertorriqueñas junto a Odilio Gonzáles, ahora tocaba para audiencias dominicanas en El Internacional, que después llegó a ser El Restaurante 27 de Febrero.
La llegada de la guitarra eléctrica a la bachata pareció haber eclipsado el estilo de Calderón y otros pioneros. Sin embargo, con la aceptación del género en años recientes, él comenzó a recibir algunas partes pequeñas del reconocimiento garantizado por su repertorio clásico, y por su lugar en la historia como la primera persona en grabar lo que ahora conocemos como bachata. Casi cualquier evento que exige la celebración de la larga y difícil historia de la música debe incluirlo en la gama de intérpretes, y en años recientes tocó en los escenarios del Teatro Nacional, Gran Teatro del Cibao y Lehman y en las universidades Hostos. Calderón continúa grabando y distribuyendo sus propias grabaciones, y está actualmente empeñado en construir su propio sitio Web.
El estilo de música que grabó el nativo de San Pedro se encontraba mucho más próximo al bolero que a las disposiciones de dos guitarras adicionales de la bachata como lo más distinguible. A diferencia de muchos otros bachateros posteriores, Calderón no cantaba con una voz sutil y tenor, sino más bien con un sonoro barítono reminiscente de los cantantes mexicanos como Pedro Infante. Muchos de sus arreglos incluyeron secciones de cuerda, secciones de trompeta o un piano, aunque una innovación únicamente dominicana en la música de Calderón fue el uso de la güira en lugar de las maracas para marcar el tiempo. A diferencia de otros bachateros, Calderón hizo sus grabaciones con una güira desde el primer día. Su música también fue recibida por el público y por sus artistas compañeros como bolero, sin el estigma de que la bachata podría llegar a una tendencia bajista. El grabó “Por seguirte” en 1966 acompañado por la orquesta de Johnny Ventura, y el gran Felipe Rodríguez del bolero puertorriqueño fue instrumental en la promoción de “Llanto a la luna”, probablemente la canción preferida de Calderón. Calderón continuo cultivando una amistad perdurable con Rodríguez, cuyo estilo es algo similar al suyo. En el año después de su primera grabación innovadora, sacó al mercado cuatro sencillos, cada uno de los cuales continuó para llegar a ser un clásico no solo en el género sino también el la cultura dominicana en general --- Quema esas cartas, Lagrimas de sangre, Serpiente humana y Llanto a la luna Según Calderón, él continuó grabando cuarenta y dos sencillos sucesivos que fueron, por los estándares de la informal economía, todos ellos éxitos principales.
Calderón disfrutó de privilegios al haber trabajado antes de la marginalización del género, los cuales ya no estarían disponibles para bachateros posteriores, haciendo grabaciones con compañías discográficas internacionales como Kubaney. En 1967, viajó a Nueva York para grabar con la compañía discográfica BMC, y decidió permanecer allí con su guitarrista principal Andrés Rodríguez. Durante los siguientes cinco años Calderón fue un símbolo en una escena musical que giró ante todo alrededor de boleristas puertorriqueños bien conocidos como Felipe Rodríguez, Blanca Iris Villafañe, Tommy Figueron y Odilio Gonzáles. En esta compañía tocó en recintos como el Teatro Riopiedras, el Teatro Jefferson y el legendario Teatro Puerto Rico
En 1972, Calderón regresó a República Dominicana para encontrar un cambio substancial en la suerte de la bachata. La música había llegado a ser para entonces marginalizada, asociada con la prostitución y la pobreza, y solamente una estación de radio a lo largo de la nación, Radio Guarachita, difundía la música. La relegación de la bachata a una música de “la mala vida” a su vez afectó a la percepción que tenía el público de Calderón, quien fue catalogado con otros bachateros cuyos estilos eran considerablemente más decadentes que el suyo. Sin embargo la música que hacía comenzó a cambiar a medida que el género cambiaba, y las canciones que compuso en este periodo cuentan la historia de la vida en el burdel y en el barrio de la misma manera que lo hace la música de otros bachateros (La saqué de la barra, Bebiendo en la barra). Estas canciones fueron comercialmente exitosas, pero no llegaron a ser clásicos de la cultura popular dominicana de la manera en que lo habían hecho sus anteriores éxitos. La situación fue suficientemente difícil para animar a Calderón a regresar a Nueva York, donde vio crecer una comunidad dominicana en las Cumbres de Washington, y dar origen a una escena de bachata flamante allí también. En el lugar en el que una vez había tocado para audiencias puertorriqueñas junto a Odilio Gonzáles, ahora tocaba para audiencias dominicanas en El Internacional, que después llegó a ser El Restaurante 27 de Febrero.
La llegada de la guitarra eléctrica a la bachata pareció haber eclipsado el estilo de Calderón y otros pioneros. Sin embargo, con la aceptación del género en años recientes, él comenzó a recibir algunas partes pequeñas del reconocimiento garantizado por su repertorio clásico, y por su lugar en la historia como la primera persona en grabar lo que ahora conocemos como bachata. Casi cualquier evento que exige la celebración de la larga y difícil historia de la música debe incluirlo en la gama de intérpretes, y en años recientes tocó en los escenarios del Teatro Nacional, Gran Teatro del Cibao y Lehman y en las universidades Hostos. Calderón continúa grabando y distribuyendo sus propias grabaciones, y está actualmente empeñado en construir su propio sitio Web.
Ramón Orlando
Ramón Orlando Valoy is a merengue musician and son of Cuco Valoy.
Ramón Orlando Valoy (born on July 29, 1960 in Manoguayabo, Santo Domingo, Dominican Republic.[1] In the 1970s, after his father Cuco Valoy left the guitar duet Los Ahijados, he formed his first group, Los Virtuosos, with Cuco as the lead singer.[2] Cuco kept the group together renamed as Cuco Valoy y Orquesta (Cuco Valoy and his Orchestra) in which he hired singers Peter Cruz and Henry García.[3] Ramón Orlando went on to form another group during that time. Years later, the Cuco Valoy group broke up and Ramón moved to Colombia to physically separate himself from the Dominican Republic due to his political differences with the Dominican president Joaquín Balaguer. Ramón Orlando then undertook a more ambitious musical project. He and then-famous merengue singers Peter Cruz and Henry Garcia formed La Orquesta Internacional (The International Orchestra), in which Ramón Orlando intended to be the composer and musical director, while Cruz and Garcia were intended to be the vocalists. However, of the first ten "single" songs to be recorded (and released individually), Ramón chose to sing four of them himself, which caused a split in the group. Peter Cruz and Henry Garcia then each formed a short-lived group. Upon the two vocalists' departure, Ramón Orlando quickly hired some vocalists with voices sounding similar to those of Cruz and Garcia in order to perform songs already gaining airplay.[3]
Ramón Orlando is also the composer of the theme El venao,[4] which found a large audience in several Latin American countries including Colombia, Venezuela and Puerto Rico. Orlando share with Juan Luis Guerra the greatest Soberano Award in 1992.[5] in He was a nominee in the Latin Grammy Awards of 2005 for the Best Merengue Album (Generaciones) in the tropical category.[6]
Orlando serves as a pastor in a protestant church.[7]
Ramón Orlando Valoy (born on July 29, 1960 in Manoguayabo, Santo Domingo, Dominican Republic.[1] In the 1970s, after his father Cuco Valoy left the guitar duet Los Ahijados, he formed his first group, Los Virtuosos, with Cuco as the lead singer.[2] Cuco kept the group together renamed as Cuco Valoy y Orquesta (Cuco Valoy and his Orchestra) in which he hired singers Peter Cruz and Henry García.[3] Ramón Orlando went on to form another group during that time. Years later, the Cuco Valoy group broke up and Ramón moved to Colombia to physically separate himself from the Dominican Republic due to his political differences with the Dominican president Joaquín Balaguer. Ramón Orlando then undertook a more ambitious musical project. He and then-famous merengue singers Peter Cruz and Henry Garcia formed La Orquesta Internacional (The International Orchestra), in which Ramón Orlando intended to be the composer and musical director, while Cruz and Garcia were intended to be the vocalists. However, of the first ten "single" songs to be recorded (and released individually), Ramón chose to sing four of them himself, which caused a split in the group. Peter Cruz and Henry Garcia then each formed a short-lived group. Upon the two vocalists' departure, Ramón Orlando quickly hired some vocalists with voices sounding similar to those of Cruz and Garcia in order to perform songs already gaining airplay.[3]
Ramón Orlando is also the composer of the theme El venao,[4] which found a large audience in several Latin American countries including Colombia, Venezuela and Puerto Rico. Orlando share with Juan Luis Guerra the greatest Soberano Award in 1992.[5] in He was a nominee in the Latin Grammy Awards of 2005 for the Best Merengue Album (Generaciones) in the tropical category.[6]
Orlando serves as a pastor in a protestant church.[7]
- Merengues Instrumentales: Homenaje a Pedro Reynoso (1977)
- Me Quiero Casar
- San Francisco
- La Cruz de Oro
- Llorar de Amores
- Emilio Mi Colega
- Santa Rosa
- Levántate Temprano
- Muchachita Linda
- Juanita Morel
- El Pichoncito
- Loco de Amor (1985)
- Cometa Blanca
- Tu Mujer
- Te Juro Que Te Quiero
- Como Te Atreves
- Lágrimas de Amor
- Correspóndeme
- Loco de Amor
- El Trovador
- De Que Me Sirvió Quererte (1986)
- De Que Me Sirvió Quererte
- Weo
- Pena
- Un Día Más
- Te Juro Que Te Quiero
- Tu Mujer
- Loco de Amor
- Nada, Nada
- Cabecita Loca
- Pronto Amor
- Weo! (1987)
- De Que Me Sirvió Quererte
- Weo
- Pena
- Un Día Más
- Te Juro Que Te Quiero
- Tu Mujer
- Loco de Amor
- Nada, Nada
- Cabecita Loca
- Pronto Amor
- Diciembre Party (1988)
- Diciembre Party
- No Me Importa, No
- Lápiz
- Bailando
- Dance To The Rhythm (A Gozar)
- Como Tú
- Mi Sueño
- Mira Mis Ojos
- Cigarro y Vino
- Monotonía
- Ring...Ring! (1989)
- No Hay Nadie Más
- Gotas de Pena
- Cúrame
- Toma y Toma
- Rondando Tu Esquina
- El Silencio, Tú y Yo
- Noche Eterna
- Risas
- Mama Mía
- Ring... Ring
- El Hijo de la Mazurca (1990)
- Son Maco
- Para Olvidarte
- Gitana
- Dime Tú
- Solo Una Noche
- Guaracha
- Vivo Llorando
- Nueva York No Duerme
- Quererte Es Mi Verdad
- La Fea
- Juntos (1990)
- Bomba Caram Bomba
- Chiquita
- Solo Tú
- Mi Locura
- Hecha Para Mi
- Más
- Bon, Bon, Bon
- Catalino el Dichoso
- Fiesta
- Cómo Negarlo
- Solo (1990)
- Mil Maneras (El Maestro)
- Este Amor
- Dos Extraños Locos
- Balada de Amor
- The King
- Voy
- Amándote Como Te Amo
- Nupcias
- Un Ratito Más
- Claudia
- Solo Ganar (1991)
- Estas Lágrimas (Ganar)
- Quiero de Ti
- Que Venga
- Quiéreme Ahora
- Lléname de Amor
- Será Hoy
- Fiel
- Eres
- Falta de Amor
- Déjame Intentarlo
- Todos! (1992)
- Mitad Inglés, Mitad Español
- Me Mata la Pena
- Te Amo
- Ni Te Vas Ni Me Dejas
- Noche y Rumba
- Me la Voy a Llevar
- Soy Tu León
- Cómo Podré
- Andante, Andante
- En la Boca de los Tiburones
- América Sin Queja (1993)
- América Sin Queja
- Esto Fue lo Que Ví
- Tonto Corazón
- Sin las Dos
- Por Él
- Un Día
- El Bufón
- Es Tuya
- Te Compro Tu Novia
- A la Mala
- Cúrame
- Te Espero
- Que Venga
- Mamá
- Dile Que Se Aguante
- América Sin Queja II
- Evolución (1997)
- No Voy a Volver a Llorar
- Que Tiene Él
- El Amor de Mi Vida
- Rica Boca
- Sombrero
- Ula Ula
- Stress
- Yo Soy Tuyo
- Tendré
- Dueño, Amo y Señor
- Cuánto Se Llora
- Mi Novia Viuda
- Corazón Barato
- Hay Amores
- El Venao
- Crónicas (2000)
- Nadie Se Muere de Amor
- Acuyuyé
- Mi Cama No Habla
- Crónicas
- Vuelve
- Ahora Que Estamos Solos
- La Cosa Más Bella
- Vuela
- Don Nadie
- Vas a Volver
- Con el Corazón Atao (2001)
- Yo Compro Esa Mujer
- No Me Sirve de Nada
- Quiereme Mucho / Por Un Poco de Tu Amor
- Si No Te Puedo Amar / El Día de Mi Suerte
- Nada Sin Ti
- Que Será lo Que Pelea
- Te Quiero de Veras
- Corazón Atado
- Te Voy a Hacer Un Bolero
- Malas Palabras
- Te Quiero de Veras (Pop)
- El Tiki Tiki del Amor (2002)
- Se Acaba el Amor
- Corazón de Cristal
- Fruta Fina
- Ella
- Loco, Loco
- Acuyuyé
- El Tiki Tiki del Amor
- Ahora Que Estamos Solos
- Vas a Matarme
- Pa' Todo el Año
- Don Nadie
- Disfraces (2003)
- Tililin
- El Lobo
- Magdalena
- Solo Para Ti
- Ven y Dancea
- Yo Deseando
- Estatua de Sal
- Te Quiero, Te Quiero
- Ni Una Noche Más
- Te Quiero, Te Extraño
- Al Pan, Pan
- Fue Culpa Tuya
- Mi Sueño
- Tililin (Pop)
- Generaciones (2004)
- Yo Soy
- La Gran Ciudad
- Ileal
- A Toda Hora
- Palabras del Alma
- Lo Quieras o No
- Los Tres Besos
- Cien Mil Razones
- Doce Rosas
- Dime Tan Solo
- Nadie Como Tú
- ¡Que Bolero!
- En Tierra Ajena (2006)
- La Novela
- No Eres Una Más
- El Olor de Tu Sudor
- Culpable o No
- Golozéamela
- El Perro Ajeno
- Luna Llena
- Para Amarlo
- Torpe Corazón
- Media Vida
Compilations
- En Concierto Desde el Palacio de Bellas Artes (1989)
- Introducción Estudio de Czerny
- Claro de Luna
- Homenaje a Oscar Peterson
- Jazz Sublime
- Jazz a lo Maco (Who's Play)
- Salón México Danzón
- Juliana
- Afinación / Nueva York No Duerme
- Mi Locura
- Más
- Esa Paloma
- Te Juro Que Te Quiero
- Balada de Amor
- Este Amor
- Éxitos Engavetados (1989)
- Cometa Blanca
- Si Tu Piensas Que No Te Amo
- Las Esquinas
- Caña Brava
- Como Te Atreves
- Al Que le Debo Que Se Aguante
- Pegaditos
- Plazos Traicioneros
- Sabrás
- Cuando Tu No Estás
- Los Grandes Éxitos del Maestro (1993)
- Weo
- Me Mata la Pena
- Tu Mujer
- Diciembre Party
- Cigarro y Vino
- Nueva York No Duerme
- Toma y Toma
- Mi Locura
- Sisi y Ricardo
- No Me Importa, No
- Con Sus 16 Éxitos (1995)
- No Hay Nadie Más
- Toma y Toma
- Ring... Ring
- Mil Maneras
- La Fea
- Son Maco
- Me Mata la Pena
- Soy Tu León
- Bomba Caram Bomba
- Más
- Hecha Para Mi
- Rondando Tu Esquina
- Gotas de Pena
- Noche y Rumba
- Bailando
- Esa Paloma
- Te Extraño: Un Clásico Para Enamorados (1997)
- Te Extraño
- Ay Amor
- Deja de Llorar
- Si Supieras
- Que Quieres Tú de Mi
- Cuando Te Entregue Mi Amor
- Si Tu Piensas Que No Te Amo
- Yo Me Voy
- Hay Algo en Ella
- Sabrás
- El Disco de Oro (1997)
Vol. 1
- Diciembre Party
- Weo
- Cigarro y Vino
- Me Mata la Pena
- Juanita Morel
- Monotonía
- Pa' Gozar Contigo
- Me Quiero Casar
- Como Tú
- Cantando Se Fue
- San Francisco
- Dance To The Rhythm (A Gozar)
- Preciosa Mujer
- Mira Mis Ojos
- Esa Negra
Vol. 2
- Nueva York No Duerme
- Toma y Toma
- Amor Para Mi
- No Me Importa, No
- Tu Mujer
- El Pichoncito
- El Aborto
- Bailando
- Mi Locura
- Muchachita Linda
- Me Olvidé de Ti
- Lápiz
- Nació Varón
- Levántate Temprano
- Mi Sueño
- Mi Historia Musical (2000)
- Cigarro y Vino
- Me Mata la Pena
- Que Venga
- No Hay Nadie Más
- Nueva York No Duerme
- Rondando Tu Esquina
- Ring... Ring
- Bailando
- Mil Maneras
- Bomba Caram Bomba
- La Fea
- Noche Eterna
- Son Maco
- Mi Sueño
- Soy Tu León
- Éxitos de los Cantantes de Ramón Orlando (2000)
- El Venao
- El Virao
- El Camisón
- Es lo Que Pide
- El Chivo
- Tu Mujer
- Bomba Caram Bomba
- Más
- Bon, Bon, Bon
- Cúrame
- Como Tú
- Quédate Amor
- En Baladas y Boleros (2000)
- Mil Maneras
- Que Venga
- Balada de Amor
- Amándote Como Te Amo
- Estas Lágrimas
- Nupcias
- Un Ratito Más
- Te Juro Que Te Quiero
- Rondando Tu Esquina
- Este Amor
- Quiéreme Ahora
- Será Hoy
- Dos Extraños Locos
- Fiel
- Voy
- Solo Bachatas Para Ti (2001)
- Noche Eterna
- Cabecita Loca
- Bailando
- Pronto Amor
- Diciembre Party
- No Hay Nadie Más
- Que Quieres Tú de Mi
- Sabrás
- Loco, Loco
- Rondando Tu Esquina
- Cigarro y Vino
- De Que Me Sirvió Quererte
- Pena
- 15 Éxitos (2001)
- 20 Éxitos (2002)
Vol. 1
- Me Mata la Pena
- Bailando
- Mitad Inglés, Mitad Español
- Que Venga
- Soy Tu León
- El Silencio, Tú y Yo
- Te Amo
- Esa Paloma
- Gotas de Pena
- Más
Vol. 2
- Solo Una Noche
- Mil Maneras
- Toma y Toma
- Ring... Ring
- Nueva York No Duerme
- No Hay Nadie Más
- Rondando Tu Esquina
- Son Maco
- La Fea
- Hecha Para Mi
- El Duro (2007)
- Me Mata la Pena
- Las Esquinas (Popurrí): Las Esquinas Son / Josefa Matia / Son Maco / La Mora
- Cantando Se Fue
- Nueva York No Duerme
- Sisi y Ricardo
- No Me Importa, No
- Esa Negra
- Al Que le Debo Que Se Aguante
- Cigarro y Vino
- Como Tú
- Preciosa Mujer
- Amor Para Mi
- Mira Mis Ojos
- Diciembre Party
- 2 Grandes del Merengue Vol. 3 (with Alex Bueno) (2008)
- Que Cara Más Bonita
- Ring... Ring
- Como a Nadie
- No Hay Nadie Más
- Colegiala
- Bailando
- Amores Que Matan
- Toma y Toma
- Una Paloma Blanca
- Los Tres Besos
- Los Caminos de la Vida
- Hecha Para Mi
- Otro Weekend Sin Ti
- Gotas de Pena
- Corazón de Madera
- Más
Sergio Vargas (cantante)
Sergio Pascual Vargas Parra (nacido el 15 de marzo de 1960 en Villa Altagracia), artísticamente conocido simplemente como Sergio Vargas, es un intérprete de merengue y bolero
dominicano, quien fuera muy popular en las décadas 80 y 90, durante la
"época de oro del merengue". Sus hermanos, Kaki y Johnny, también
estuvieron involucrados en la música.
Vargas fue diputado por el Partido de la Liberación Dominicana representando su pueblo Villa Artagracia en el periodo 2006-2010.
En 1986 Sergio sacó a la venta su primer LP bajo el sello discográfico Karen Records. Este LP incluye el sencillo "La quiero a morir", el cual es la versión en español de "Je l'aime à mourir" del cantante francés Francis Cabrel. En 1987 grabó otro álbum junto a Los Hijos del Rey titulado "La tierra tembló", con el que obtuvo un gran éxito. Al momento que Sergio se lanza como solista, la mayoría de los músicos se van con él, menos Diómedes Nuñez y poco después Orvis García. Los arreglos de esta produción son por Sonny Ovalles Y su pianista Juan Valdéz. Los sencillos de esta produción son "Ciclon (fiesta de interior)", "Marola", "A otro lado del sol", "Bamboleo", "Esta casa humilde", "Días de junio" Y "Perla Negra".
Sergio Vargas en el lanzamiento de su disco "Amores Nuevos, Viejos y de Medio Uso", 2 de septiembre de 2009
Sergio Vargas en 2009
Con Los Hijos del Rey
Vargas junto a sus hermanos durante un concierto de celebración de sus 25 años en el arte.
En 1988 fue premiado por la Asociación de Cronistas de Arte de la República Dominicana con un Casandra
por su concierto titulado Sergio. Este concierto fue galardonado como
espectáculo del año. Sergio Vargas también obtuvo el premio Casandra al
mejor video-clip por la canción "Las vampiras" del compositor Luis Días.
En 1989 CBS International le ofreció un contrato discográfico. Después de muchas contemplaciones dejó Karen Records y firmó con CBS.[cita requerida]
En 1991 fue un año muy productivo para la carrera de Sergio Vargas; después de participar en el programa de televisión "Este es mi país" fue galardonado con el premio Casandra. También recibió el premio Casandra por su proyección internacional y cantar en lugares como Madison Square Garden de Nueva York frente a 20.000 espectadores en el Carnaval del Merengue. Bajo la dirección del productor y director Jean Luis Jorge. Sergio rodó un programa especial para Sony Music International.
Vargas fue diputado por el Partido de la Liberación Dominicana representando su pueblo Villa Artagracia en el periodo 2006-2010.
Carrera
Conocido como "El negrito de Villa", Vargas participó en el Festival de la Voz organizado por el músico dominicano Rafael Solano, donde terminó en segundo lugar. Dos años después en 1982, pasó a formar parte de la orquesta de Dionis Fernández. En esta orquesta Sergio llegó a interpretar grandes éxitos como "Los diseñadores", "Ritmo de la noche", "Un hombre y una mujer", entre otros. Luego de esto, Sergio pasó a reforzar la orquesta "Los Hijos del Rey" como vocalista líder. Esta orquesta en sus inicios estaba liderada por Fernando Villalona y Raulín Rosendo. Fue en esta agrupación donde su popularidad empezó a crecer, tanto que la agrupación tenía clubs de fans en Puerto Rico, Venezuela, Panamá y la costa Este de los Estados Unidos.En 1986 Sergio sacó a la venta su primer LP bajo el sello discográfico Karen Records. Este LP incluye el sencillo "La quiero a morir", el cual es la versión en español de "Je l'aime à mourir" del cantante francés Francis Cabrel. En 1987 grabó otro álbum junto a Los Hijos del Rey titulado "La tierra tembló", con el que obtuvo un gran éxito. Al momento que Sergio se lanza como solista, la mayoría de los músicos se van con él, menos Diómedes Nuñez y poco después Orvis García. Los arreglos de esta produción son por Sonny Ovalles Y su pianista Juan Valdéz. Los sencillos de esta produción son "Ciclon (fiesta de interior)", "Marola", "A otro lado del sol", "Bamboleo", "Esta casa humilde", "Días de junio" Y "Perla Negra".
Discografía
Álbumes/LP
- La quiero a morir (1986)
- La tierra tembló (1987)
- Ciclón (Festa do Interior) (1988)
- La Incondicional (1989)
- Este es Mi País (1991)
- Torero (1992)
- Por H o por R (1993)
- El merengue se baila pegao (1994)
- Como un bolero (1994)
- Fraude de amor (1995)
- Solo merengue (1995)
- Mi propuesta (1996)
- Tiempo de amor (1997)
- Juntos (1998)
- A tiempo (1999)
- De Sergio Vargas a José Feliciano (2000)
- Vete y dile (2001)
- Bohemio en vivo (2003)
- Bohemio (2004)
- Sus Éxitos en Bachata (2004)
- Amores Nuevos, Viejos y de Medio Uso (2009)
Compilaciones
- Los años dorados (1994)
- The Best (1994)
- Brillantes (con Johnny Ventura) (1994)
- Historia musical (1995)
- Historia de éxitos (1995)
- Cara a cara (con Johnny Ventura) (1997)
- El hombre y su merengue (1998)
- Grandes éxitos (1999)
- Oro merenguero (2000)
- Serie 2000 (2000)
- Entre amigos (con Fernando Villalona) (2000)
- A merengazo (2001)
- 22 Ultimate Hits (2002)
- Juntos (2002)
- Colección de oro: 15 éxitos (2002)
- Serie azul tropical (2003)
- 15 canciones favoritas (2003)
- Colección diamante (2004)
- Sabrosonas del recuerdo (2005)
- 20 años no son nada (2005)
- 20 Éxitos originales (2005)
- 2 grandes voces de Quisqueya la bella (con Eddy Herrera) (2007)
- 10 de colección (2007)
- Un cantante, 3 facetas, un gran artista (2008)
- Mis favoritas (2010)
- Frente a frente (con Toño Rosario) (2013)
- Colección grandes voces del siglo
Canciones
- Por ella
- Mi orgullo
- Un hombre y una mujer
- La quiero a morir
- La tierra tembló
- Los diseñadores
- El ritmo de la noche
- Marola (escrita por Luis Días)
- La tierra tembló
- Las vampiras
- Lástima de tanto amor
- Muñeco de trapo (salsa)
- La ventanita
- Corazón de piedra
- La pastilla
- Dile
- Un cigarrillo, la lluvia y tú
- Como Un Bolero
- Las mujeres
- Ni tú ni yo
- Mala memoria
- Madre mía
- Qué te has creído
- Bala perdida
- Vete y dile
- Que te pasa corazón
- Te va a doler
- Anoche hablamos del amor
- Dime dónde
- Mi morena
Covers
- La quiero a morir (Je l'aime à mourir, del cantante francés Francis Cabrel)
- Bamboléo (del grupo flamenco español Gipsy Kings)
- Aquella casa humilde (del cantante brasileño Roberto Carlos)
- Perla negra (del cantante venezolano Yordano)
- La incondicional (del cantante Luis Miguel)
- Procuro olvidarte (del nicaragüense Hernaldo Zúñiga)
- Torero (junto a El Canario; canción original de Julio Iglesias y José Luis Rodríguez)
- Hasta que me olvides (interpretada por Luis Miguel y escrita por Juan Luis Guerra)
- ¡Ay! mujer (interpretada originalmente por Juan Luis Guerra)
- Escándalo (interpretada por Javier Solis)
- Perdóname, olvídalo (con Gisselle; interpretada originalmente por Juan Gabriel y Rocio Durcal)
- Para decir adiós (junto a Gisselle; interpretada originalmente por José Feliciano y Ann Kelly)
- Aquello que me diste (interpretada por Alejandro Sanz)
- El negrito del batey (interpretada por Alberto Beltrán)
- La copa rota (interpretada originalmente por José Feliciano)
- Después de ti ¿qué? (interpretada originalmente por José Feliciano)
- ¿Por qué te tengo que olvidar? (interpretada originalmente por José Feliciano)
- Dime Corazón (interpretada originalmente por Amaury Gutiérrez)
- Lo que un día fue no será (interpretada originalmente por José José)
- Vivo por ella (interpretada originalmente por Andrea Bocelli y Marta Sánchez)
Logros
En 1989 CBS International le ofreció un contrato discográfico. Después de muchas contemplaciones dejó Karen Records y firmó con CBS.[cita requerida]
En 1991 fue un año muy productivo para la carrera de Sergio Vargas; después de participar en el programa de televisión "Este es mi país" fue galardonado con el premio Casandra. También recibió el premio Casandra por su proyección internacional y cantar en lugares como Madison Square Garden de Nueva York frente a 20.000 espectadores en el Carnaval del Merengue. Bajo la dirección del productor y director Jean Luis Jorge. Sergio rodó un programa especial para Sony Music International.
Antony Santos Bachatero
La era moderna de la Bachata
fue anunciada por la incorporación, hecha por Blas Durán, de la guitarra
eléctrica a la música en 1987. Todo el grupo de bachateros que siguió
los pasos de Durán — Luis Vargas, Raulín Rodriguez, Antony Santos, Juan
Bautista—tuvo un rol en la definición de la forma en la que suena la
música hoy en día. Sin embargo, no existe ningún argumento de que el
bachatero más influyente en el establecimiento del estilo moderno, así
como posiblemente el bachatero más exitoso comercialmente de todos los
tiempos, ha sido Antony Santos.
Santos viene de la misma región, situada en el límite norte con Haití, que Luis Vargas y Raulín Rodríguez, y todos ellos trabajaron el uno con el otro en numerosas ocasiones. Santos comenzó como el güirero en el grupo de Luis Vargas cuando Vargas comenzaba a hacerse conocer con merengues de doble sentido que imitaron Blas Durán y Eladio Romero Santos. Dejó el grupo de Vargas debido a diferencias personales entre ambos, y grabó su primera producción, La chupadera, en 1991. El casete (en ese momento la bachata aún no estaba disponible en CDs, lo que en cierto modo podría haber sido demasiado costoso para la audiencia tradicional de la música) incluía un número de canciones de doble sentido como “La parcela”, “La passola” y “El behuco”. La interpretación que ayudó a definir el comienzo de una nueva era en la bachata, sin embargo, fue una canción estrictamente romántica la que llegó a ser un gran éxito entre bachateros tradicionales y público en general: “Voy pa’lla”. La canción fue una de las primeras bachatas “eléctricas” importantes que no se basaron en doble sentido sexual, y alcanzó la audiencia más amplia que probablemente ninguna otra canción grabada en el género hasta ese momento.
Antony Santos fue justamente, el músico apropiado en el lugar apropiado y en el momento apropiado durante la historia de la bachata. Aunque la bachata “Voy pa’lla” fue la que lo hizo famoso originalmente, Santos tuvo tanto éxito con los merengues en sus grabaciones como con las bachatas. Este gran énfasis en el merengue fue decisivo, permitiendo que la bachata alcance una audiencia más grande, porque muchos dominicanos, que aún no estaban dispuestos a dejar de lado estigma tradicional contra la bachata, no sabían cómo bailarla. Los merengues de Santos eran accesibles al público Dominicano en general, y algunos de sus mayores éxitos fueron merengues.
Aunque la bachata moderna no comienza con Santos, las innovaciones que él y su grupo introdujeron al género fueron extremadamente importantes en la definición su estilo actual. Anteriormente, los guitarristas principales como Edilio Paredes y Augusto Santos tocaban hacia arriba con sus dedos usando un estilo florido y melódico; incluso Jesús Martínez, el guitarrista principal pionero de Blas Durán, usaba sus dedos para tocar aunque de modo más sencillo. Antony Santos, siguió el ejemplo de su mentor Luis Vargas y de Eladio Romero Santos tocando las cuerdas hacia abajo, con un toque de pulgar. El estilo resultante fue más sencillo y más rítmico, y le dio a la bachata un sonido que se reconoce inmediatamente cuando se la compara con otros tipos de música de guitarra Latina. Mientras tanto, la bachata que Santos grababa comenzó a reflejar, más y más, la influencia de sus merengues. Su músico encargado del bongo tocaba el instrumento con dos palos, en lugar de hacerlo con sus manos, y muchos de los cambios tenían una sensación de merengue. Además, el grupo desarrolló una sección de mambo en la que la güira toca un patrón típico del merengue y el bajo toca un patrón derivado de la sección de cha-cha-cha del bolero tradicional. En los merengues mismos, el ritmo de la tambora tradicional fue remplazado por una versión simplificada de “caballito”, el ritmo que se hizo popular a través de orquestas de merengue como Los Hermanos Rosario.
Mientras la década de los 1990s continuaba, Santos fue consistentemente exitoso tanto con sus bachatas como con sus merengues, y los patrones rítmicos que desarrolló su grupo para las diferentes secciones de la canción llegaron a ser el estándar para el género. Y mientras otros bachateros llegaban y pasaban, Santos continuaba prosperando, eclipsando a su rival y ex - mentor Luis Vargas, entre otros. Muchas de las canciones de Santos llegaron a ser clásicos de la bachata moderna, tanto que una lista de ellas podría leerse como una lista de prácticamente todo lo que él grabó durante los 1990s. Algunas de sus canciones más importantes durante este periodo fueron sus merengues “El perrito”; “Me voy a morir”; “Déjame entrar”; “La batalla”, y “Quililín quililán”. Entre las tantas bachatas históricas que Santos grabó durante los 1990s se encuentran “Corazón culpable”, “Quien te engañó”, “Consejo de padre”, “Durmiendo solo” y “Pégame tu vicio”.
En El balazo del año 2001, Santos comenzó a experimentar nuevamente, al incorporar un teclado eléctrico a sus merengues, una innovación ligera que no cambió significativamente la música. En la siguiente grabación, Juego de amor, incluyó saxofones e hizo aparecer el teclado en el mix. El nuevo sonido no recibió aprobaciones alentadoras de la audiencia tradicional de bachata; para este momento, los bachateros habían reducido drásticamente el número de merengues que estaban grabando ya que la bachata creció en popularidad dando saltos y brincos, de modo que los fanáticos del merengue de cuerda tenían a Santos como el único de quien depender. Su incorporación de saxofones y piano pareció haber lastimado la popularidad de sus más recientes grabaciones, aunque las bachatas en ellas, incluyendo “La jaula de oro” y “Ay, ay, ay” (grabada en vivo), fueron bien recibidas.
En este momento, Antony Santos es el estadista mayor de la bachata. Para muchos bachateros jóvenes, no familiarizados con Blas Duran, la música de Santos representa el lugar de inicio de la bachata moderna. El hecho de que él aún esté activo y exitoso ayuda a consolidar su importancia en la mente de la audiencia de la bachata de hoy. A pesar de que Santos no fue de hecho responsable por las innovaciones que guiaron a la modernización de la bachata, por lo cual debemos acreditar a Durán y a su guitarrista principal Jesús Martínez, él es incuestionablemente la figura más importante en el establecimiento de las normas del estilo moderno. De la misma manera, la popularidad de Santos se mantiene tan extensa como su influencia—en una gira poco frecuente de los Estados Unidos en el año 2004, se dice que tuvo más de 45 compromisos en un mes y que llevo a casa aproximadamente $200,000.
Santos viene de la misma región, situada en el límite norte con Haití, que Luis Vargas y Raulín Rodríguez, y todos ellos trabajaron el uno con el otro en numerosas ocasiones. Santos comenzó como el güirero en el grupo de Luis Vargas cuando Vargas comenzaba a hacerse conocer con merengues de doble sentido que imitaron Blas Durán y Eladio Romero Santos. Dejó el grupo de Vargas debido a diferencias personales entre ambos, y grabó su primera producción, La chupadera, en 1991. El casete (en ese momento la bachata aún no estaba disponible en CDs, lo que en cierto modo podría haber sido demasiado costoso para la audiencia tradicional de la música) incluía un número de canciones de doble sentido como “La parcela”, “La passola” y “El behuco”. La interpretación que ayudó a definir el comienzo de una nueva era en la bachata, sin embargo, fue una canción estrictamente romántica la que llegó a ser un gran éxito entre bachateros tradicionales y público en general: “Voy pa’lla”. La canción fue una de las primeras bachatas “eléctricas” importantes que no se basaron en doble sentido sexual, y alcanzó la audiencia más amplia que probablemente ninguna otra canción grabada en el género hasta ese momento.
Antony Santos fue justamente, el músico apropiado en el lugar apropiado y en el momento apropiado durante la historia de la bachata. Aunque la bachata “Voy pa’lla” fue la que lo hizo famoso originalmente, Santos tuvo tanto éxito con los merengues en sus grabaciones como con las bachatas. Este gran énfasis en el merengue fue decisivo, permitiendo que la bachata alcance una audiencia más grande, porque muchos dominicanos, que aún no estaban dispuestos a dejar de lado estigma tradicional contra la bachata, no sabían cómo bailarla. Los merengues de Santos eran accesibles al público Dominicano en general, y algunos de sus mayores éxitos fueron merengues.
Aunque la bachata moderna no comienza con Santos, las innovaciones que él y su grupo introdujeron al género fueron extremadamente importantes en la definición su estilo actual. Anteriormente, los guitarristas principales como Edilio Paredes y Augusto Santos tocaban hacia arriba con sus dedos usando un estilo florido y melódico; incluso Jesús Martínez, el guitarrista principal pionero de Blas Durán, usaba sus dedos para tocar aunque de modo más sencillo. Antony Santos, siguió el ejemplo de su mentor Luis Vargas y de Eladio Romero Santos tocando las cuerdas hacia abajo, con un toque de pulgar. El estilo resultante fue más sencillo y más rítmico, y le dio a la bachata un sonido que se reconoce inmediatamente cuando se la compara con otros tipos de música de guitarra Latina. Mientras tanto, la bachata que Santos grababa comenzó a reflejar, más y más, la influencia de sus merengues. Su músico encargado del bongo tocaba el instrumento con dos palos, en lugar de hacerlo con sus manos, y muchos de los cambios tenían una sensación de merengue. Además, el grupo desarrolló una sección de mambo en la que la güira toca un patrón típico del merengue y el bajo toca un patrón derivado de la sección de cha-cha-cha del bolero tradicional. En los merengues mismos, el ritmo de la tambora tradicional fue remplazado por una versión simplificada de “caballito”, el ritmo que se hizo popular a través de orquestas de merengue como Los Hermanos Rosario.
Mientras la década de los 1990s continuaba, Santos fue consistentemente exitoso tanto con sus bachatas como con sus merengues, y los patrones rítmicos que desarrolló su grupo para las diferentes secciones de la canción llegaron a ser el estándar para el género. Y mientras otros bachateros llegaban y pasaban, Santos continuaba prosperando, eclipsando a su rival y ex - mentor Luis Vargas, entre otros. Muchas de las canciones de Santos llegaron a ser clásicos de la bachata moderna, tanto que una lista de ellas podría leerse como una lista de prácticamente todo lo que él grabó durante los 1990s. Algunas de sus canciones más importantes durante este periodo fueron sus merengues “El perrito”; “Me voy a morir”; “Déjame entrar”; “La batalla”, y “Quililín quililán”. Entre las tantas bachatas históricas que Santos grabó durante los 1990s se encuentran “Corazón culpable”, “Quien te engañó”, “Consejo de padre”, “Durmiendo solo” y “Pégame tu vicio”.
En El balazo del año 2001, Santos comenzó a experimentar nuevamente, al incorporar un teclado eléctrico a sus merengues, una innovación ligera que no cambió significativamente la música. En la siguiente grabación, Juego de amor, incluyó saxofones e hizo aparecer el teclado en el mix. El nuevo sonido no recibió aprobaciones alentadoras de la audiencia tradicional de bachata; para este momento, los bachateros habían reducido drásticamente el número de merengues que estaban grabando ya que la bachata creció en popularidad dando saltos y brincos, de modo que los fanáticos del merengue de cuerda tenían a Santos como el único de quien depender. Su incorporación de saxofones y piano pareció haber lastimado la popularidad de sus más recientes grabaciones, aunque las bachatas en ellas, incluyendo “La jaula de oro” y “Ay, ay, ay” (grabada en vivo), fueron bien recibidas.
En este momento, Antony Santos es el estadista mayor de la bachata. Para muchos bachateros jóvenes, no familiarizados con Blas Duran, la música de Santos representa el lugar de inicio de la bachata moderna. El hecho de que él aún esté activo y exitoso ayuda a consolidar su importancia en la mente de la audiencia de la bachata de hoy. A pesar de que Santos no fue de hecho responsable por las innovaciones que guiaron a la modernización de la bachata, por lo cual debemos acreditar a Durán y a su guitarrista principal Jesús Martínez, él es incuestionablemente la figura más importante en el establecimiento de las normas del estilo moderno. De la misma manera, la popularidad de Santos se mantiene tan extensa como su influencia—en una gira poco frecuente de los Estados Unidos en el año 2004, se dice que tuvo más de 45 compromisos en un mes y que llevo a casa aproximadamente $200,000.
Leonardo Paniagua
Durante 1970 y comienzos de 1980, la bachata era la música de las
clases populares, se le asociada a la bebida, la pobreza, la
prostitución y al empleo de un lenguaje vulgar en sus composiciones, sin
embargo eso no ocurrió con Leonardo Paniagua, creo un estilo que lo
hizo convertirse en el artista más vendido y conocido durante esa época.
Mientras bachateros como Marino Perez y Blas Duran, eran asociados con
ese estilo vulgar, Paniagua se distancio considerablemente de ellos,
evitando canciones que hiciera referencias a la vida en los barrios, él
recrea un estilo mas cercano a la balada. Ayudado por Disco Guarachita y
Radhames Aracena, llega a producir un sin numero de éxitos. Pero llega a
la cúspide en 1979 con la grabación de una de las canciones más famosas
de la bachata jamás grabada, una interpretación de la canción
“Chiquitita” del popular grupo de pop-rock ABBA.
Su primer sencillo fue grabado casi por accidente. Su amigo, el cantante Danilo Rodríguez se encontraba grabando en los estudios de Discos Guarachita, e invita a Paniagua. Nativo de la ciudad de La Vega, nunca había cantado en público, es invitado a cantar por uno de los músicos que se encontraba en la grabación, el cual le comenta a Aracena el productor del disco, que seria una excelente idea tratar de grabar a Paniagua. Es así como comenzó a cantar "Amada, amante". Con los músicos improvisando los arreglos de fondo, al momento de terminar de cantar es cuando Aracena les informa que el había grabado la sesión. Se dieron algunas criticas por partes de los músicos. A pesar de sus protestas y mencionar que necesitaban corregir los errores que habían hecho, Aracena insistió en que había terminado y que era necesario grabar el sencillo del lado B una versión de "Insaciable", el clásico del bolero del cantante puertorriqueño Felipe Rodríguez. Al día siguiente las canciones ya estaban al aire en la estación de radio de Aracena “Radio Guarachita”, convirtiéndose en un éxito inmediato y colocando a Paniagua como el artista más importante de Aracena.
Su carrera estaba estrechamente vinculada a Radio Guarachita, la única estación de radio a nivel nacional, y la única en Santo Domingo que estaba dispuesta a promover la bachata. Paniagua pasa a ser un acérrimo defensor de Aracena y de su estación, por el apoyo que le estaba dando a los bachateros aun cuando la industria musical del país apoyaba solo a los exponentes del merengue y los principales medios de comunicación estaban haciendo todo lo posible para destruirla. Aracena se hizo bastante rico gracias a la bachata, la mayoría de los sencillos que el promociono en su estación eran grabados en sus estudios y los disco solo podían ser conseguidos en sus tiendas. Muchos de los artistas que grabaron con Aracena se sintieron de alguna manera estafados, por considerar que el se estaba haciendo rico a expensas de ellos, los LPs que hizo con Paniagua, a quien pagó diez pesos dominicanos por cada canción, los vendió posteriormente a Kubaney Records en Nueva York por un valor de $ 5000 cada canción.
Si bien es cierto que gracias a Radio Guarachita se hizo famoso Paniagua y él a su vez junto con Juan a Luís Segura fueron sus cantantes más importantes. Desde el momento en que grabó "Amada amante" hasta que el día que firmó con Kubaney en 1986, Paniagua ayudo a ampliar el numero de seguidores que había tenido la bachata hasta entonces. Canciones como "Un beso y una flor", "Chiquitita", "Mi secreto", "El necio", "Ella se llamaba Marta", entre otras, son clásicos rápidamente identificados por cualquier escucha dominicano. Para los década de 1990 la bachata sufrió un cambio fundamental con la introducción de la guitarra eléctrica y un movimiento hacia un estilo mucho más de salón, sin embargo Paniagua ha preferido mantener la tradición acústica de la bachata tradicional, su suave estilo de canto, su balada romántica al igual que sus letras se han convertido en alimento básico para la bachata moderna, un crédito a Paniagua y su profunda influencia.
Su primer sencillo fue grabado casi por accidente. Su amigo, el cantante Danilo Rodríguez se encontraba grabando en los estudios de Discos Guarachita, e invita a Paniagua. Nativo de la ciudad de La Vega, nunca había cantado en público, es invitado a cantar por uno de los músicos que se encontraba en la grabación, el cual le comenta a Aracena el productor del disco, que seria una excelente idea tratar de grabar a Paniagua. Es así como comenzó a cantar "Amada, amante". Con los músicos improvisando los arreglos de fondo, al momento de terminar de cantar es cuando Aracena les informa que el había grabado la sesión. Se dieron algunas criticas por partes de los músicos. A pesar de sus protestas y mencionar que necesitaban corregir los errores que habían hecho, Aracena insistió en que había terminado y que era necesario grabar el sencillo del lado B una versión de "Insaciable", el clásico del bolero del cantante puertorriqueño Felipe Rodríguez. Al día siguiente las canciones ya estaban al aire en la estación de radio de Aracena “Radio Guarachita”, convirtiéndose en un éxito inmediato y colocando a Paniagua como el artista más importante de Aracena.
Su carrera estaba estrechamente vinculada a Radio Guarachita, la única estación de radio a nivel nacional, y la única en Santo Domingo que estaba dispuesta a promover la bachata. Paniagua pasa a ser un acérrimo defensor de Aracena y de su estación, por el apoyo que le estaba dando a los bachateros aun cuando la industria musical del país apoyaba solo a los exponentes del merengue y los principales medios de comunicación estaban haciendo todo lo posible para destruirla. Aracena se hizo bastante rico gracias a la bachata, la mayoría de los sencillos que el promociono en su estación eran grabados en sus estudios y los disco solo podían ser conseguidos en sus tiendas. Muchos de los artistas que grabaron con Aracena se sintieron de alguna manera estafados, por considerar que el se estaba haciendo rico a expensas de ellos, los LPs que hizo con Paniagua, a quien pagó diez pesos dominicanos por cada canción, los vendió posteriormente a Kubaney Records en Nueva York por un valor de $ 5000 cada canción.
Si bien es cierto que gracias a Radio Guarachita se hizo famoso Paniagua y él a su vez junto con Juan a Luís Segura fueron sus cantantes más importantes. Desde el momento en que grabó "Amada amante" hasta que el día que firmó con Kubaney en 1986, Paniagua ayudo a ampliar el numero de seguidores que había tenido la bachata hasta entonces. Canciones como "Un beso y una flor", "Chiquitita", "Mi secreto", "El necio", "Ella se llamaba Marta", entre otras, son clásicos rápidamente identificados por cualquier escucha dominicano. Para los década de 1990 la bachata sufrió un cambio fundamental con la introducción de la guitarra eléctrica y un movimiento hacia un estilo mucho más de salón, sin embargo Paniagua ha preferido mantener la tradición acústica de la bachata tradicional, su suave estilo de canto, su balada romántica al igual que sus letras se han convertido en alimento básico para la bachata moderna, un crédito a Paniagua y su profunda influencia.
Suscribirse a:
Comentarios (Atom)